Dangerous
1991

"Dangerous" patea a su primera escucha. Es su disco más sincero y por ello le ha salido un poco surrealista. Es pura demencia creativa. Quizás por eso, y al revés de otros discos, va creciendo con el tiempo. A pesar del escucha y sin darse uno cuenta, cuanto más lo escuchas, más te gusta. No es un disco fácil.

El bloque producido con Teddy Riley - de "Jam" a "Can´t Let Her Get Away" es una rabiosa descarga de funk. No son piezas futuristas más que en el tratamiento. "Why You Wanna Trip On Me", con su letra apocalíptica y su guitarra acústica, es puro Bill Withers del año 1972, "Remember The Time" es casi un homenaje a Jackie Wilson."Black or White", basada en un riff de Slash secuenciado, es sencillamente la mejor canción de rock and roll clásico. "Who Is It" está llena de tensión, y "Give In To Me" con Slash de nuevo, son sencillamente excelentes."Keep The Faith", soul del mejor con los coros de Andrae Crouch, es casi un segundo "Man In The Mirror".

1 - Jam:
Michael Jackson

La letra de esta canción nos reta de una u otra forma. En un nivel, Michael aborda el letargo de los 90’s con frases como “do we know right from wrong?” (“¿diferenciamos lo bueno de lo malo?”). No es específico acerca de problemas sociales aquí, pero habla de actitudes penetrantes “I’m conditioned by the system” (“estoy condicionado por el sistema”).
Especialmente en los coros, Michael sugiere que aunque las cosas han cambiado desde Bad, “It ain’t too much for me” (“no es demasiado para mi”). Siento que además de estimularnos para salir del letargo, esta es la forma de Michael de volvernos a emocionar con él. Mira, tengo algunas cosas que decirte y querrás levantarte y presionar como todas las voces electrónicas sugieren”.
Desde el primer estallido rompimiento de vidrios, me doy cuenta de que este va a ser un Michael diferente a álbumes anteriores. Ciertamente no es tan enojado como HIStory, pero en su voz, uno puede escuchar una combinación de energía matizada con amargura. Aún así la energía gana al final, y especialmente se manifiesta cuando susurra “Jam” en los coros. Oye cuidadosamente para que lo escuches.
Los instrumentos son optimistas. Las trompetas tienen un maravilloso ritmo distintivo, las guitarras pulsan, algunos sintetizadores irrumpen en escena, y otros teclados apoyan la canción con largos acordes. Las trompetas son vivificantes y perfectas.
Heavy D hace un gran rap, y su voz en la canción probablemente atrajo la atención de los fans de “Now that we’ve founf love” que fue un gran éxito a principios de 1991. Michael sabe como colaborar con otros artistas para beneficiarse él y a ellos.
El uso de explosiones por parte de Michael desde el comienzo a el final añadieron energía a la canción.
Cuenta el Ingeniero de sonido Bruce Swedien como nació la canción de su inspiración "Estaba trabajando con Rene Moore; un joven y talentoso músico de Los Ángeles, en su estudio y una tarde nos miramos el uno al otro y dijimos, “Guau! ¡Esto es verdaderamente bueno! Quizás sería mejor tocar esto para Michael!” Yo estaba trabajando en el álbum Dangerous en ese momento y al día siguiente Rene vino conmigo al estudio. Le pregunté a Michael si podíamos tocar un tema para él. Dijo, “Por supuesto, llámame cuando estés listo.” Le llamé un par de horas más tarde y dije, “Estoy listo”. Michael llegó a la sala de control con su amigo Emmanuel Lewis. Le puse el tema con el volumen muy alto! Emmanuel y Michael bailaban por toda la sala de control, ¡a Michael le encantó la idea! Al día siguiente, Michael escribió la melodía y la letra. A la semana siguiente, Teddy Riley escribió e hizo los arreglos para“Jam”. ¡Michael cantó la parte vocal de la canción en un solo día! Poco tiempo después hice las mezclas y se convirtió en parte del álbum Dangerous. Así fue como nació “Jam” del álbum de Michael Jackson, Dangerous, escrita en parte por mí!

2 - Why You Wanna Trip On Me:
Teddy Riley y Bernard Bell

La letra de esta canción es bastante simple. Tenemos tantos problemas en este mundo que no deberíamos tener tiempo para atormentar a MJ. Estamos abrumados con problemas desde el SIDA a las drogas y el analfabetismo. Michael se da tiempo para abordarlos todos y dice que resolverlos es mucho más importante que lo que él es.
La voz arenosa de Michael suena en los versos, pero ojala hubiera grabado la voz principal para los coros más de una vez. Si escuchas con cuidado, notarás que es exactamente la misma cada vez. La gente involucrada con la grabación decidió hacer una sola toma de los coros en lugar de mostrarnos las diferentes interpretaciones con las que saldría Michael. Si, hace algunas improvisaciones agitadas mas tarde en la canción en un aparato que suena como un teléfono. Sin embargo, la voz principal permanece igual a lo largo de la canción.
Los versos están en un tono un poco más agudo que los coros. Ni siquiera es medio paso.
Las voces de trasfondo en los coros son geniales. Este hombre tiene una habilidad genial para cantar consigo mismo. Michael debe haber tenido algo con las explosiones mientras grababa este álbum, porque esta es la segunda canción seguida que termina de esta forma.

3 - In The Closet:
Michael Jackson y Teddy Riley

Este track es el más explícito de Michael hasta la fecha y quizá mas allá. Michael podrá haber usado palabras fuertes en HIStory, pero los sonidos que hace en esta canción van más allá de lo explícito.
La voz de Michael se estremece con deseo muy poco contenido durante la mayoría de la canción tanto cuando canta como cuando habla. Básicamente la canción es sobre muy deseado pero muy impersonal sexo que quiere mantener en secreto.
La mayoría de los instrumentos son mínimos. Hay un bajo, quizá un sintetizador o dos, y la propia erótica respiración de Michael.
Hay dos secciones en donde los sintetizadores son mas pesados. Michael armoniza consigo mismo en su tono agudo “somethin about ya baby that makes me want to give it to you”. En esta seccion y en la instrumental, los sintetizadores empiezan bajos y lentamente aumentan, aumentan, aumentan al climax.
Durante la sección instrumental, parece que el mismo Michael esta emulando vocalmente el orgasmo. La canción termina muy apropiadamente con instrumentos disminuyendo de intensidad y el cerrar de una puerta de closet.

El tema de la canción, escrita por Jackson y Teddy Riley, es una relación secreta entre dos amantes. También fue un esfuerzo de Jackson para silenciar a los críticos que cuestionaron su sexualidad. In the closet es una expresión en inglés que significa Dentro del armario, usada cuando uno no está abierto sobre un aspecto de su vida, en particular en lo que respecta a la orientación sexual. A pesar del ambiguo título de la canción, su letra habla sobre la lujuria del hombre a la mujer: «No ocultar nuestro amor / mujer para el hombre».

El periódico New York Times declaró: «Sólo Jackson utilizaría un título así para una canción de amor heterosexual...». La revista Rolling Stone describió la canción como «decididamente heterosexual». Dirigido por Herb Ritts, el video musical de In the Closet muestra a Jackson haciendo complicadas técnicas de danza sensual tanto psicológica y físicamente con la supermodelo Naomi Campbell. La voz femenina de la canción fue encubierta bajo el seudónimo Mystery Girl y correspondía a la princesa Estefanía de Mónaco, si bien era Naomi Campbell quien hacía playback en el clip musical.

In the Closet fue originalmente pensado como un dúo entre Jackson y Madonna. Según una entrevista en 1992 con el periodista británico Jonathan Ross, Madonna dijo que ella trabajó en algunas ideas líricas de la canción pero cuando se la presentó a Michael, él decidió que era demasiado provocativo y ella decidió no continuar con el proyecto.

4 - She Drives Me Wild:
Michael Jackson y Teddy Riley

Un motor de automóvil arranca y la bocina suena mientras esta canción comienza. La letra de esta canción es sugestiva sin ser explícita. Usa la palabra “damn” (“maldito”) en varios versos, pero después del último tracks parece leve. Algunas de las letras son comprensibles pero no discernibles. Por ejemplo, ¿que quiere decir cuando habla sobre esta chica como “1 en 3”? ¿es esto una estadística con respecto a aquellos que son sexualmente activos? Quien sabe, y más bien, a quien le importa?.
El bajo gruñe durante los versos, pero cambia para complementar los sutiles teclados y las maravillosas armonías de Michael en los coros. Es bueno que el rap sea incluido en este track, pero realmente no hay nada distinguido sobre su actuación. Preferiría escuchar mas de los chasquidos de esos dedos largos de Michael y armonizando consigo mismo a capella como al final de la canción.

5 - Remember The Time:
Teddy Riley, Michael Jackson y Bernard Bell

Solo faltaba un mes para que Michael Jackson vendiera más de 15 de millones de copias, cuando en febrero de 1992 se lanza el segundo corte del álbum "Recuerdas el Tiempo" en donde el Rey del Pop nos lleva a las tierras del Egipto. Durante todo el video Michael se ríe y baila como nunca. En 1993 gana en los American Music Award en la categoría al mejor single rhythm and blues.
Muchas de las canciones al inicio de este álbum usan una técnica musical que ha sido llamada “New Jack”. El ritmo es la percusión regular pop pero con instrumentos ligeramente sincopados. De todas las canciones esta será recordada como la canción New Jack en el álbum Dangerous.
A diferencia de muchas canciones up-tempo (movidas) de Michael, usa su tono grave para crear el sentimiento íntimo y nostálgico sugerido por la letra. La letra nos lleva a diferentes recuerdos durante los versos, mientras el estribillo es casi hipnóticamente sugestivo al pedir al escucha que recuerde. Hasta puedes oírlo hablar y reír suavemente en el inicio del tracks. La percusión es ligeramente pop mientras capa sobre capa de teclados y órgano le dan a la canción una sensación de tranquilidad.
Michael estaba evolucionando de joven a un estado mas maduro. Había una marcada sofisticación en este tracks que sugería el haber vivido un poco más y de algún modo ser un poco mas sabio. Aun así, la intensidad y pasión de su trabajo anterior nunca vaciló con esta nueva madurez.
El puente da final a la canción. Frecuentemente durante los versos me pregunto que era lo que Michael imaginaba que pasaba después de la época que está recordando. ¿Se separó la pareja, se distanciaron, o simplemente la relación evolucionó a algo muy diferente? Nos mantiene suspendidos, pero no importa lo que se haya dicho “nunca olvidaré lo que tuvimos”
Después del puente, Michael usa su tono agudo para improvisar con el coro. Algo del ambiente sentimental se pierde mientras él parece rogar a su amante que recuerde también. “Do you do you do you?”
El final consiste en un coro de MJ chasqueando los dedos y cantando. La línea vocal y chasquidos hacen eco y lentamente desaparecen. El gentil final le queda tan bien a esta canción...

6 - Can´t Let Her Get Away:
Michael Jackson y Teddy Riley

La progresión de acorde (chord progression) a través del verso es una gran idea. El verso incluye la sección "a" donde canta desde su pecho y la mucho mas sutil seccion "b" donde canta con su voz mas aguda. Tambien me encantan sus coros de trasfondo mas adelante donde canta “Can’t let gowowowowo."

Uno de los principales problemas con esta canción en mi opinión es que está instrumentada muy electrónicamente. Esa larga primera nota en el principio no parece tener mucho propósito, y los golpes del acorde que siguen son hasta menos atractivos. Creo que con esta canción, Michael puede haber estado tratando demasiado de mostrar que estaba al tanto con sonidos nuevos. Las chillonas y cortas notas del sintetizador gritan desde inicio hasta el final, y las percusiones suenan hasta mas sintéticas.
También hay una especie de rap después de la sección semi instrumental. ¿Puede alguien entender la letra? No aparece en el libreto. Todos dicen que Scream de HIStory es la primera vez que Michael usa la “f word” (fucking). Escuchen la segunda y última línea del rap y vean si escuchan lo que yo.
La improvisación de Michael es usualmente de primera, pero no en esta canción. Pronuncia mal las palabras haciéndolas incomprensibles, y usa como tres notas en todo ello. Entonces intenta para variar.

7 - Heal The World:
Michael Jackson

A diferencia de su antecesor "Man In The Mirror", este tema si fue compuesto por el propio Michael Jackson. Es el himno que les debía a todos los niños del mundo. Llegó al puesto número uno en la Navidad de 1993. Cuenta con la introducción del mensaje de una niña y poco a poco vamos entrando en calor. El tema es el obligado en todos los cierres de sus recitales.
Tiene todos los elementos favoritos de MJ. El usar tanto instrumentos tanto electrónicos como de orquesta le da a esta pieza una calidez y vitalidad que es inolvidable. Las idealísticas letras de Michael son reconfortantes y la forma en que canta me convence de que cree en lo que esta cantando. No es solo una canción agradable sino una filosofía para el.
La habilidad inexplicable de Michael para mezclarse perfectamente con quien quiera que el cante, ya sea el mismo, un coro, o un niño, es sorprendente. Esto es simbólico de cómo Michael desea vivir su vida en relación consigo mismo y los demás.
Después de los geniales versos, el aun mejor estribillo, un puente inspirador, esta canción crece y cambia de tono dos veces llevándonos mas alto cada vez. Es tan maravilloso saber que Michael aun tiene ese fondo idealístico a sus treintaitantos. En muchos artistas, eso muere cuando son muy jóvenes. Tengo la sensación que en Michael, será parte de suya hasta que muera.

8 - Black Or White:
Michael Jackson, rap de Bill Bottrell

Ya sin Quincy Jones, Michael Jackson decidió lanzar el 8 de noviembre de 1998 el primer corte del álbum "Dangerous". Su video es un cortometraje de once minutos que fue visto en el día de su estreno en veintisiete países por 500 millones de personas.
Durante siete semanas permanece en el puesto número uno del Hot100 Americano, siendo además número uno en quince países. En la canción Michael trata de unir a las razas del mundo. Un comienzo de casi un minuto a puro punteo de guitarra de Slash para luego lanzarse a un desenfrenado pop. Sin dudas el hits del disco.
Todos hemos visto como las canciones inspiran videos, pero es mas raro ver videos que influencian canciones. Este tracks es un ejemplo de este fenómeno. El diálogo entre padre e hijo esta hecho para recordar al escucha el video, ya que tiene una escena similar al comienzo. El video llevó a la canción al numero uno, así que es fácil entender porque Michael lo hizo. De alguna forma, creo que se aleja del tema central de la canción. Me gusta la versión para radio sin el dialogo, porque somos llevados justo a la letra.
Michael usa guitarra tanto eléctrica como acústica que se complementan al una a al otra muy bien. Teclados ligeros son usados, y la percusión tiene tanto percusiones electrónicas mas campanas de vacas. El bajo-sintetizador es de gran apoyo y ayuda con puntos de transición en la canción.
Inmediatamente reconocí las primeras siete notas de la melodía vocal de Michael de algún lado, y entonces me acorde. Son las mismas siete notas (en diferente clave) que los sintetizadores que tocan en el estribillo de I just can’t stop lovin you. Esto prueba la ingenuidad de Michael al usar pequeñas secuencias para crear canciones muy diferentes.
Todas las vocalizaciones de Michael son precisas ya sea armonizando, haciendo la voz principal, o improvisando hacia el final de la pieza.
El rap, que gran trabajo el cambiar el acomodo de los instrumentos para resaltarlo en esta canción.
Probablemente lo que más aprecio es la simplicidad y franqueza de la canción. Michael hace la música simple, porque la letra es la parte importante de esta canción. Junto con los sentimientos contra el racismo, esta canción también manda un claro mensaje a todos los que se preocupan por el empeoramiento de la condición dermatológica de Michael.

9 - Who Is It:
Michael Jackson

Aquí esta otro ejemplo de como Michael puede tomar elementos de otras canciones, rearreglarlos y hacer una maravillosa pieza nueva. La línea del bajo en esta pieza con un poco de más lentitud y arreglos viene directo de Billie Jean. La estructura del acorde del estribillo me recuerda especialmente a Smooth criminal. Aun así, esta canción no es ninguna de las dos.
Michael tiene un arrebato por lo dramático en sus letras, y hay puntos en que el dolor es audible tanto en la vocalización como en la instrumentación. Los sentimientos expresados en esta canción van de la tristeza, la autocompasión a la ira. Michael usa instrumentos de cuerda para evocar pasión, y un sonido de coro sintetizado para hacer sutil el paseo. Los desdeñosos platillos y otros instrumentos de percusión crean un ritmo único muy diferente de las piezas predecesoras.
Los versos tienen una sección "a" que incluye a Michael cantando con tono grave, bajo y percusiones con pequeños irrupciones de cuerdas. La sección "b" agrega teclados y construye el estribillo. Otra vez, tengo que decir cuan maravillosamente Michael armoniza consigo mismo en los coros. Después de una par de versos hay un instrumental.
Hacia el final, Michael improvisa con sus coros muy bien mientras los instrumentos gradualmente son eliminados. El final consiste en los platillos, un bajo, y probablemente el sonido básico de la boca de Michael sobre el cual se construyó al canción. No entendía muy bien el final hasta que vi el segmento de Prime Time sobre como construye Michael sus tracks usando sonidos de su boca. Esta descomponiendo la canción a sus elementos básicos al final.

10 - Give In To Me:
Michael Jackson y Bill Bottrell

Una potente canción de medio tiempo en la cual Michael pide a su chica "que se lo entregue". Sin dudas la guitarra de Slash, hacen de ella una pieza única. El video de la canción fue grabado durante la gira europea de "Dangerous".
Esta canción es la Dirty Diana de Dangerous. Hay muchos teclados y guitarra, y aunque las melodías son muy diferentes, las estructuras de los acordes son muy similares. Pero, mientras Michael resiste la propuesta de una mujer en al anterior, en esta canción esta cansado de una mujer que se le resiste.
Una guitarra se doblega y luego perfila la melodía para los versos mientras comienza la canción. A diferencia de Dirty Diana esta canción tiene un sentimiento deprimente y malhumorado. Michael y el instrumentalistas tratan de cambiar el sentimiento en el estribillo añadiendo mas fuego musicalmente, vocalmente y líricamente. Pero simplemente no sucede.
La única armonía vocal está durante el puente en el primer y segundo “ok”.

11 - Will You Be There:
Michael Jackson

Fue utilizado como banda de sonido de la película "Free Willy", cuenta con la introducción de música clásica. Un contrapunta de coro y contracoros de Michael Jackson con vocalistas negros de primera línea. Una de las canciones más logradas del álbum.
No tengo ninguna teoría en particular de porque Michael comienza esta canción con un poco de Beethoven. A veces creo que es para introducir a las personas a la música clásica. En otras ocasiones parece como que esa música crea tensión que es resuelta por el coro angelical que le sigue. Una tercera posibilidad es que Michael estaba pensando por adelantado en su gira cuando quería usar esta música. De cualquier modo, la música clásica es efectiva al preparar al escucha para el sonido puro del coro que le continua.
Teclados, percusiones eléctricas, y unos cuantos violines son los instrumentos básicos en esta canción. La melodía básica es repetida una y otra vez , pero es la letra la de primaria importancia. Los solos de Michael en su voz grave con poca instrumentación. Un coro zumba y chasquea los dedos entre un par de secciones. Michael entra al puente, que el da a nuestros oídos un descanso de la melodía. Esta sección comienza con "Everyone's taking control of me”. La tonalidad cambia por primera vez después de esta sección. El coro se rebasa la letra principal y la melodía mientras Michael improvisa a través de dos cambios de tonalidad adicionales. Después del último, él definitivamente está usando su tono agudo.
Entonces la canción se aquieta, y el coro solo hace “ooh”. Esto prepara la parte hablada de Michael, una sección que se ha vuelto muy importante para sus seguidores. Comienza con "In our darkest hour, in my deepest despair, will you still care? Will you be there?" (“En nuestra hora más oscura, en mi desesperación más profunda, ¿aun te importará? ¿Estarás ahí?”. Esta canción salió irónicamente mientras las acusaciones se desarrollaban.
Michael tiene la habilidad de llorar. Esta es señal de un gran actor. Aun así, al hacerlo creo que hay una sinceridad en su voz llorosa en esta canción.

12 - Keep The Faith:
Glen Ballard, Siedah Garrett y Michael Jackson

Man in the Mirror" era al canción retadora en Bad. Esta es su paralelo en Dangerous. Una vez más, esta canción comienza tranquilamente dándonos una oportunidad de secar las lagrimas del tracks anterior. Tanto la letra y la música son igualmente inspiradoras mientras gradualmente se fortalecen mientras cambian los tonos.
Siedah y el coro gospel le dan a Michael el soporte vocal que necesita, mientras los instrumentos son mayormente sintetizadores y percusiones electrónicas. La sección "a" de los versos son suaves y sutiles mientras los coros y el puente de la sección "b" son mas bulliciosos. Una vez mas Michael prueba que puede colaborar con gente y hacer que todos se luzcan.
Esta es una gran canción para escuchar cuando te sientes deprimido. A veces se me olvida el poder de esta canción, porque no es uno de los mayores éxitos. Aun así, creo que de haber sido lanzada lo hubiera sido.

13 - Gone Too Son:
Buz Kohan

La letra, arreglo, e interpretación de esta balada es tan hermosa que es difícil usar algo tan seco como las palabras para describirla. Los instrumentos son mayormente teclados con la ocasional flauta, violín, y cuerno francés que interviene para para hacer el sonido mas completo. La canción es obviamente sobre algo o alguien que muere, y Michael la dedicó a la joven victima del sida Ryan White. Tras escuchar la letra, es fácil comprender porque.
Michael canta muy suave pero muy sincero mientras cambia de tonos y crescendos. Al final, lo escucho llorar, y otra vez se oye sincero para mis oídos y mi corazón.

14 - Dangerous:
Michael Jackson, Bill Bottrell y Teddy Riley

Los efectos de sonido que comienzan esta pieza siempre me dan una imagen mental. Veo una señal en grandes letras rojas que dice “Construccion adelante: Peligroso”. Me pregunto que son en verdad esos sonidos. Las percusiones se clavan y saltan mientras los sintetizadores aparecen y desaparecen. Otros sintetizadores crean el sutil paseo con acordes sostenidos. Cualquier guitarra en la pieza es para puro ritmo. El bajo es simple e incluye un sintetizador bajo que gime a cada compás en la mayor parte de la pieza.
Michael demostró esta canción en un juicio por derechos de autor contra él (que ganó). Llamo las secciones donde habla la sección "a". Susurra sugestivamente bajo y puntualiza algunas frases con respiración agitada. La sección "b" de los versos es cuando canta. Mas teclados se añaden mientras la voz principal es apoyada por “Michaels de trasfondo” que dan ocasionales "hee hee" o "baby!"
El estribillo comienza con la palabra “Dangerous" cantada. Un sonido como de laser se presenta después de esta palabra en algunos puntos. Otra vez, los “Michaels de trasfondo” apoyan al principal con respiraciones y frases.
El Puente comienza con "I cannot sleep alone at night" (“no puedo dormir solo esta noche”) Esta parte difiere del resto de la canción pero lógicamente nos regresa a otra sección "a".
Michael gradualmente pasa los instrumentos al final y hace un poco de improvisación. La canción termina con un sintetizador que se desplaza por los auriculares. El corte termina el álbum con una gran nota.
Dangerous es un álbum con estilos que eran nuevos en la época en que salió y para los estándares de MJ. De hecho. Michael da un trabajo que ha atraído a una gran audiencia, y el material de este álbum prueba ser no excepción a esta regla.

La mayor parte de la crítica pertenece a Rebecca Kragnes.
 

Michael Jackson, Dangerous y la reinvención del Pop
Por Joe Vogel

Como la narrativa tradicional lo tenía, el álbum Dangerous de Michael Jackson representó el final de una era: la muerte del Pop y el nacimiento en su estela, del grunge, alt-rock, y hip hop. La mayoría de los críticos señalan que el momento Nevermind de Nirvana eliminó a Dangerous de la posición # 1 en las listas de Billboard en el punto de inflexión simbólico. En cuestión de meses, franela silenciada había sofocado todo rastro de los años 80 el exceso y extravagancia.

Michael Jackson, por su parte, el icono de la definición de pop de los años 80, creó un álbum en Dangerous que tenía mucho, -o poco- que ver con el pop como Nevermind hizo. Las diferencias de estilo son bastante obvias. Nevermind tenía sus raíces en el punk rock y grunge, mientras que Dangerous se basaba principalmente en R&B / New Jack Swing. Sin embargo, ambos expresaron un sentido muy similar de la enajenación, con muchas canciones funcionando como una especie de poesía confesional.

Comparar letras de Cobain de “Lithium” – “Estoy tan feliz / Porque hoy he encontrado a mis amigos / Están en mi cabeza” con la de Jackson “Who Is It” – “No parece importar / Y no parece correcto / porque la voluntad no ha traído fortuna / Aún lloro solo por la noche.”

Ambos discos contenían también su parte de los ganchos pop pegadizos y coros, mientras que la introducción de los sonidos más subterráneos (de la calle) a un público mayoritario, y los dos álbumes fueron cantados por almas heridas, sensibles, que pasaron a ser vendedores brillantes / creadores de mitos.

Musicalmente, Dangerous compartía poco en común con las obras de sus compatriotas estrella del pop como Madonna, Whitney Houston y Mariah Carey. Su tono era mucho más ominoso, arenoso, urbano e industrial. En cortometrajes como “Black or White”, Jackson fue también explora un territorio más oscuro, sorprendiendo al público de la clase media con su cruda expresión de dolor e indignación por el racismo.

Irónicamente, fue la “establecida estrella del pop”, no la banda de grunge extraña, cuyo videoclip fue censurado después de las protestas públicas por su controvertida coda. “Smells Like Teen Spirit”, en tanto, estuvo en rotación pesada, este tuvo a un ejecutivo de MTV con el choro de que había “una nueva generación que vender.”

Video Black or White Panter Version

El punto es que, contrariamente a la sabiduría convencional, a finales de 1991, Nirvana era tan “pop” como Michael Jackson y Michael Jackson fue tan “alternativo” como Nirvana. Los discos de ambos artistas fueron liberados por los principales sellos discográficos y tuvieron similares éxitos comerciales y gráficos, a pesar de que se midieron en contra de grandes expectativas diferentes. Cada uno produjo sencillos de éxito. Cada uno obtuvo videos memorables y actuaciones que se transmitieron de lado a lado en la MTV. Y cada uno ha vendido más de 30 millones de copias en todo el mundo.

Nevermind, por supuesto, ha recibido la más grande aclamación de la crítica, tanto por su importancia cultural y sustancia artística. Sin embargo, 20 años después, está ganando admiradores Dangerous a medida que más gente se mueve más allá de la tontería ajena que era tan prominente en las revisiones contemporáneas y presta atención a su contenido: sus temas proféticos, su amplio inventario de los sonidos, su estudio panorámico de estilos musicales.

La conclusión es esta: Si, efectivamente se considera un disco de pop, Dangerous redefinió los parámetros del pop. ¿Cómo explicar un disco que mezcla el R & B, funk, gospel, hip-hop, rock, industrial, y clásica, un álbum que presenta una canción (“Will You Be There”), con la Novena Sinfonía de Beethoven y otro (“Dangerous”) que suena como el corazón de una fábrica de acero de la ciudad, un álbum que, alternativamente, puede ser paranoico, enigmático, sensual y vulnerable, idealista, sombrío y trascendente, y temeroso?

Incluso la portada del álbum-una pintura en acrílico por el artista pop surrealista Mark Ryden con una máscara de circo a través de la cual Jackson mira de nuevo a su público, significa una nueva profundidad y conciencia.

Jam

Jackson marca el tono de la canción de apertura. En lugar de los surcos vírgenes, cinematográficos de Bad es algo más en sintonía con el mundo real, algo más nervioso y urgente. Los cristales rotos en el principio de “Jam” simbolizan adecuadamente el avance. Dangerous fue el primer álbum de Jackson, sin el legendario productor Quincy Jones.

Muchos pensaron que estaba loco por separarse de Jones, dado el éxito sin precedentes de la pareja. Sin embargo, a Jackson le gustaban los retos y se fortaleció con la idea de actuar como productor ejecutivo y trabajar con un lienzo fresco.

Empezó a experimentar con un grupo de talentosos productores e ingenieros con los que había desarrollado relaciones los años anteriores, incluyendo a Bill Bottrell, Matt Forger, y Bryan Loren, y más tarde en el proceso, sino que también trajo de vuelta a su ingeniero de toda la vida, Bruce Swedien. Lo que resultó de la las sesiones de grabación -que se extendió desde 1989-1991- fue su álbum de mayor más conciencia social y revelador de personalidad hasta la fecha.

Quizás la novedad más importante para el equipo creativo nuevo, sin embargo, no se hizo hasta el último año. Jackson quedó satisfecho con muchas de las pistas de ritmo. Él quería que golpear más fuerte, para sentirse más tenso.

Con esto en mente, él se acercó a continuación, al de 23 años de edad, innovador New Jack Swing, Teddy Riley. Desde el lanzamiento de Bad en 1987, el R&B y hip-hop se habían desarrollado en una variedad de direcciones, desde el rap de provocación de Public Enemy, a la franqueza sexual de LL Cool J, con el New Jack Swing agresivo de Bobby Brown y Guy.

Jackson quería tomar elementos de todas las novedades y los sonidos, y doblar, retorcer, y fundir con su propia visión creativa. Mientras que Dangerous es a menudo caracterizado como New Jack Swing, debido a la presencia de Riley, la apropiación sin duda del estilo de Jackson es clara.

Los golpes son a menudo más dinámicos y frescos, los ritmos más sincopados, el sonido más visceral e industrial. Se encuentran sonidos que son utilizados como percusión en todas partes: bocinazos, las cadenas corredizas, puertas giratorias, cristales rotos, metales estrellándose. Jackson también con frecuencia implementa beatboxing, scatting, y chasquidos de dedos

Beatboxing es una forma de percusión vocal que se basa en la habilidad de producir beats de batería, ritmos y sonidos musicales utilizando la propia boca, labios, lengua y voz. Puede incluir también el canto, la imitación vocal del turntablism, la simulación de vientos, cuerdas y otros instrumentos musicales. El beatboxing actual está conectado con la cultura hip hop, siendo uno de “los elementos”, aunque no se limita a la música hip hop.

In The Closet

Toma una canción como “In the Closet” y compárala con otra New Jack Swing de los años 80 / principios de los 90. Las diferencias son notables. Escuchen la forma en que la introducción elegante del piano da paso al erótico y girante ritmo.

Escucha cómo la canción se basa la tensión y lanzamientos, creando tensión y lanzamientos, antes del clímax que estalla en la marca del 4:30.

Escucha la interpretación vocal ágil, a partir de la narración baja, confesional, las armonías en falsete apretado, los suspiros apasionados, jadeos y exclamaciones.

Es una de las canciones de más carga sexual de Jackson, sin embargo, todavía se las arregla con una cierta sutileza e intriga, incluso el título está tímidamente jugando con las expectativas acerca de la sexualidad

A diferencia de la mayoría de las composiciones R&B y pop, las “canciones de amor” de Jackson, casi siempre contienen una cierta ambigüedad, la tensión dramática y el misterio. Ver, también, “Dangerous”, que contiene la letra: “En lo profundo de las tinieblas de la locura de la pasión / me sentí llevado por el extraño deseo de la inhumanidad”

Who Is It

Es la segunda mitad del álbum Dangerous, sin embargo, lo que realmente muestra la amplitud artística de Jackson. Siguiendo al declarativo éxito de taquilla “Black or White”, Jackson revela una de las canciones más impresionantes de su catálogo, la obra maestra inolvidable, “Who Is It”.

Para aquellos que todavía creen en el mito de que el trabajo de Jackson declinó después de los años 80, sólo este tema solo debe acabar con la idea. No sólo está expertamente elaborado (rivalizando con “Billie Jean”), sino que es Jackson en su momento más emocionalmente crudo: “¡No lo puedo tomarlo porque estoy solo!”, “Give In To Me”, continúa el tono oscuro, conforme Jackson da rienda suelta a la angustia acumulada mientras a Slash, se le forman ampollas con el tablero de la guitarra.

¿Qué viene ahora? Un preludio tomado de la Novena Sinfonía de Beethoven, por supuesto, seguido de dos canciones, “Will You Be There” y “Keep the Faith” arraigadas en el Gospel negro. Jackson cierra el álbum con una expresión tierna en la fugacidad de la vida (“Gone Too Soon”), inspirado en víctima del sida, Ryan White, antes de regresar al punto de partida al industrial New Jack Swing de la canción del título.

Para algunos, este tipo de enfoque ecléctico, maximalista de un álbum fue visto con desdén. Dangerous fue criticado por ser demasiado largo, sobre el tope, y fuera de foco. Lo que en el mundo, los escépticos preguntaron, ¿Qué hace una canción como “Heal the World” en un álbum con “Jam” y “Dangerous”?

Ciertamente, cayó en contraste con el sonido sostenido y el tema de un disco como Nevermind. Jackson, por supuesto, podría haber ido esta ruta mediante la adición de un par de canciones más de las siete rítmicas pistas que creó con Teddy Riley. Sin embargo, en última instancia, se trataba de una elección estética.

Jackson valoraba la diversidad y el contraste, tanto musicalmente como temáticamente. A él le encantó la idea de sorprender a la audiencia con una secuencia inusual de canciones, o un cambio inesperado en el estado de ánimo.

Si el tradicional R&B no podía expresar una cierta emoción, él encontró con un estilo que podría (esto, la épica, bíblicamente enraizada pathos de “Will You Be There” se convierte en clásico y Gospel). Los álbumes, en su opinión, eran viajes-y como más tarde explicaría en referencia a su serie de conciertos This Is It, quería llevar a la gente a lugares en los que nunca habían estado antes.

Sin embargo, independientemente de las preferencias de estilo, al menos se debe reconocer la audacia y el talento de un artista que fue capaz de sacar de fuentes tan dispares y crear en una variedad de géneros.

Entonces, ¿Cuál es el legado de Dangerous, veinte años después? Fue un punto de inflexión artística de Jackson, cambiando su enfoque al material una mayor conciencia social, conceptos ambiciosos, y una paleta más amplia de sonidos y estilos. Es también la expresión culminante del sonido New Jack Swing, contribuyendo a finales de los 80 / principios de los 90 R&B lo que discos como Nevermind o Ten hicieron para el rock.

Su fusión de R&B-Rap establece el plan para los próximos años, mientras que sus sonidos y ritmos metálicos industriales más tarde fueron popularizados por artistas tan dispares como Nine Inch Nails y Lady Gaga. En cuanto a la escena musical en general en 1991, que realmente fue un año extraordinario para la música no puede haber sido tan culturalmente abrumador como Nevermind, pero lo hace de pie junto a él (y un puñado de otras grabaciones) como uno de los diez logros artísticos más impresionantes de la década.

Al final, el Nirvana y compañía pueden haber matado al rock de los 80s. Pero si el Pop estaba muerto, su “Rey” había creado con éxito alternativas.

LA INTRO DE HEAL THE WORLD

La canción fue una de los primeras que escribió y grabó durante las sesiones de Dangerous . Jackson apareció con la melodía y la letra en 1989 y comenzó a trabajar en ella en el estudio con Matt y Brad. Para la intro, hizo grabar a Forger a “niños siendo sólo niños. "Él quería que dijeran algo sobre el estado del planeta, el medio ambiente desde el punto de vista del niño, y quería que fueran naturales y sin preparación. Resultó ser una tarea mucho más difícil de lo que parecía al principio. "Tuve que grabar a más de un centenar de niños", dice Forger. "Llamé a todos los padres que yo conocía. Por último, entrevisté a la hija de una amiga de mi esposa. Empecé a preguntarle acerca de la Tierra , y me dijo la frase: "Tenemos que pensar en nuestros hijos y los hijos de nuestros hijos ... " Fue totalmente sincera. Sin pretensión ni preparación previa. Forger se la llevó a Michael y él pensó que era perfecta. "Me ofrecí a editarla para eliminar la vacilación, pero Michael dijo: ‘”No, no, déjalo así.” Amaba esa espontaneidad e inocencia, y eso es lo que él quería capturar ".

El productor  Teddy Riley revela secretos
en el estudio del rey del Pop

Future Music

Lanzado en 1991, fue Dangerous el álbum que siguió a Bad. Dangerous, su álbum de 1991, puede no haber sido su mayor éxito, pero ha vendido mas discos que la mayoría de los artistas pueden vender en toda su carrera profesional.

En una entrevista el super-productor Teddy Riley habló sobre su trabajo con Jackson en Dangerous, siempre revelando algunos datos sobre cómo el Rey del Pop, operaba en el estudio. Cómo sucedió: "Recibí la llamada para producir algunas canciones para Dangerous alrededor de 1991," comienza Riley, recordando que no era una conversación telefónica de negocios común - no sucede todos los días! "No, no es seguro", confiesa Riley, reflexionar sobre la magnitud del tema. Pero siendo una grabación de MJ, Dangerous siempre se va a vender, ¿no? Entonces, dónde está la presión? "Había más presión", dice. "Yo no quería ser el que falló a Michael. Y estoy muy agradecido que no.

Teddy Riley no se apresura en comparar Dangerous con  albums que cambiaron el mundo, admite que él considera su "última gran grabación. "No se compara con Thriller", afirma Riley. "Thriller es un gran álbum, Bad es un gran álbum, pero Dangerous esta en el medio." Jackson quería un productor que tuviera su oído en la calle. No era como la nueva maravilla de MTV puede ser explotada de nuevo como con Thriller. Lo que necesitaba Jackson era un sonido "caliente", y un productor que entendiera lo que el icono necesita para evitar convertirse en irrelevante para los jóvenes, negros y artistas urbanos que pasaban del guante de lentejuelas de Jackson.

"Para Dangerous, traje el RnB de vuelta a Michael en su forma básicas; RnB y Funk", afirma Riley. "Grabamos en California, en Record One y, se terminó en Larrabee Studios. Yo estaba usando un montón de cosas para obtener el sonido que necesitábamos. Reeds and SSL XLs fueron principalmente lo que hemos utilizado - Siempre me encantó lo clásico que lo digital. Es mucho mejor ... mucho más cálido ".

Dangerous canción por canción con Teddy Riley

Jam - "Jam era una canción ideada por Michael. Me dijo a ver qué podía hacer con ella y así que cree más instrumentos y reproducí la grabación - y le encantó. "Esa es la forma en que trabajó la mayor parte del tiempo. Viene con una idea y yo la encarno en el estudio. Él lo traía en un DAT (un casssette), y me decía las cosas que quería hacer , y lo hacia. Fue mi idea la del rapero Heavy D para que sea parte de la canción. Era el rapero favorito de Michael en ese momento. "

Why You Wanna Trip On Me - "El elemento que estoy más orgulloso de la canción en mi guitarra. Pensé que [Jackson] iba a traer a otra persona para que toque en ella, pero él estaba buscando el buen músico que soy. Eso fue algo especial para mí. Yo estaba usando una guitarra acústica Ovation. "La canción entera no tardó en grabarse, en realidad. Creo que la parte más larga fue escribirla y formatear todo. No hay ningún truco de estudio, de verdad. Cuando estás haciendo algo análogo –una grabación- es suficiente, tú sabes, todo en una cinta. Es muy calido. Eso es básico. "

In The Closet "Ahora, In The Closet era algo con lo que Michael vino, y salió exactamente como el quería. El grabo su voz en un dictáfono, cuando se encontraba en otra habitación. A menudo grababa las voces en un dictáfono y las ponía en el estudio y luego veía como todo el trabajo estaba funcionando. "Esto es algo del material de Michael más explícito que existe, en términos de contenido lírico pero nada sorprendente en ese momento. No, en lo absoluto."

She Drives Me Wild "Mi mayor recuerdo de la grabación es que usamos todos los sonidos de autos como sonidos de batería y salió perfectamente. No salí a grabar los sonidos reales de coches y de vuelta al estudio – Tenia un cd de samples que era realmente genial. No era algo que había hecho antes, era la primera vez que ponía de sonidos inusuales en el lugar de batería".

Remember The Time "Una de las cosas más grandes de Michael que realmente me sorprendió en el álbum Dangerous fue su vocalización en Remember The Time. Eso realmente me enloqueció. Vine a este proyecto con esta canción. Ese fue el sonido de Estaba pensando para el álbum . Básicamente es el sonido que quería en Dangerous y a él le encantaba -le encantó desde el principio. Describo ese sonido, como, el verdadero sonido New Jack Swing. Lo Clasifico como torciendo samples. No hubo samples de otras personas, lo que hice fue hacer los sonidos - yo me sampleaba a mi mismo. Sólo con un riff de ensayo y pensaba, "Eso esta bueno..." Sí, es algo que trajo mucho a la producción. Funcionó ".

Can't Let Her Get Away "Esto fue principalmente extraído de un CD de samples que acaba de llegar, me hace recordar al sonido de James Brown. Pude sentirlo. Pensé que llevaba una sombra de una de las grandes producciones de James Brown. Tome mi CD de samples - que era yo tocando instrumentos, y luego un loop para tenerlo en posibles proyectos. En ese entonces no lo había usado ... Pero yo realmente quería usarlo! "En todo el álbum estuve haciendo muchos CDs, todos los tocados por mí. Soy un multi-instrumentista."

Heal The World "Fue acerca de los fuertes problemas mundiales - fue una gran canción. Yo no lo producí, sin embargo, todo lo que hice para la canción fue completarla. Heal The World había mucho instrumentación antes de que yo llegué. Creí que diferentes cosas la harían realmente atractiva. Hice mucho de la percusión. Hice algo adicional en la mezcla. "

Black Or White "Una vez más yo no produje esto. Pero, de nuevo, le añadí la percusión a la canción. Usé madera de percusión – campanas de vaca, maracas y cosas así. Me senté con la canción por un tiempo y dije, 'OK, este es una buena canción. Pero lo que necesita es la instrumentación ". Tenia guitarras y Slash de Guns N' Roses, pero sentía que debía ser tocado en directo y acústico, entonces había necesidad de añadir algo de percusión acústica. Es el caso que encontraba canciones de sonido muy de estudio y quería añadir el funk en directo. "

Who Is It "Esto me recuerda mucho a Dirty Diana. Creo que recapturo el sonido de esta canción. Sabes, creo que volvió a sus raíces con la grabación de esta canción para grabar una canción increíble. Pensé que tendría alguien como Quincy Jones [que produjo Dirty Diana] para poner una increíble canción. Pensé que Michael tendría a alguien como Quincy para conseguir ese sonido, pero Michael se encargo a ella. "Quincy Jones fue como un controlador de calidad para Michael. Si Michael tuviera la oportunidad seguiría trabajando en las canciones para siempre." "Era realmente difícil para mí tener que seguir los pasos Quincy Jones. Dejó grandes pasos! El escucho este álbum y me dio un gran cumplido acerca de mi producción. Quincy escucho el álbum antes de que sea puesto a la venta y dijo se trataba de una obra maestra, y que estaba listo para salir.

Give In To Me "Bill Bottrell puso una gran producción en esta canción. Porque él puso su mano allí y terminó sonando perfecto. Tuvo el toque mágico y tenía todo muy bien nivelado. Lo ha estado haciendo desde hace tanto tiempo. Él es el mejor con los micrófonos, y sabe dónde poner los instrumentos en la canción. Él es muy bueno.

Will You Be There "Se trata de Michael de nuevo. Traer un coro fue un golpe genial. Es algo que considere hacer desde que lo oí hacerlo. Es una larga canción también, y muchas en este álbum realmente son largas canciones. Son casi ocho minutos, creo - no es una edición muy larga para que las radios la toquen! Sí, es larga, pero esta muy bien para el álbum. Muchas de las canciones en el álbum son largas. Eso es lo que hace al álbum lo que es. "

Keep The Faith "Yo realmente admiro el trabajo en este tema. Todo lo que hace Michael, lo admiro. Realmente no recuerda algunas de sus otras canciones, es un poco diferente a sus habituales canciones, pero se destaca. Michael siempre innovando. Con este tema, me parece que fue debido a la estructura de la canción y los instrumentos utilizados. Bueno esto, y él trabajo con Glen Ballard para escribir la canción – querían sacudir cabezas con esta canción ".

Gone Too Soon "Otro innovadora canción. Creo que trata de reinventarse a sí mismo y ser más creíble, más comercial y el logro estar ahi. Me recuerda a una versión más mundana de She's Out Of My Life. Con este álbum está indicando sus pasadas canciones y tratando de reinventarse a sí mismo. "

Dangerous "Dangerous se trataba de una mujer que esta mas allá, tu sabes, más allá de la mejor chica que existiera. Ese fue el nombre del álbum, así que pensé en hacer una canción llamada Dangerous, y Michael se acercó con el hook –la melodía-. Así que le dije, 'Déjame poner la música'. Yo fui a mi laboratorio y pusimos la canción juntos. "La canción evoluciono: Michael llegó con el hook, yo hice la música y luego finalizamos la canción. Se utilizó una caja de ritmos, Akai MPC-60, y muchos sonidos y samples que tenia en mi CD de samples. No hay ciencia en si mismo, siento que es mi manera de hacer la producción. Siempre lo siento a mi manera - Nunca hago algo igual ".

"Hablamos regularmente antes de producir el álbum y él describía todo lo que estaba buscando: un sonido acertado. Él sacó una de mis canciones del álbum de Guy, que yo cantaba, y dijo que quería que ese sonido. Quería algo así. "Él siempre me empujó a ser diferente e innovador y fuerte. Fue exigente y trabajamos en las canciones durante mucho tiempo, siempre quería obtener la combinación adecuada. Teníamos los elementos, pero teníamos que obtener la combinación adecuada.

"En las sesiones, el pasaba mucho tiempo haciendo las vocalizaciones y, a veces las hacia por su cuenta. Yo ni siquiera tenía que estar ahí en cada sesión, porque le gustaba hacer cosas por su cuenta. Fue una fuente de inspiración trabajar con él. Yo aprendí un poco su manera de trabajar y me quede con esa fórmula - por lo que cambió la forma en que trabajaba en la producción con otros artistas. "Dado que el proyecto Dangerous aprendí a escribir, incluso antes de que de grabar la canción. La canción debe estar bien escrita, ¿sabes? Perfecta. Antes de comenzar. "Es difícil elegir los elementos más fuertes en el álbum. ¿Es mi música o sus letras? Al final, diría que a la vez. No hay nada más débil que el otro. Por eso, fue un álbum perfecto, y es un best seller. "

Black Or White
por Bill Bottrell


La gestación de 18 meses que llevó Dangerous de Michael Jackson y su primer corte, 'Black Or White' vio como se llevaba la perfección del estudio hasta su extremo.

"Michael me dijo al final de las sesiones de Bad que me contrataría como productor de su nuevo disco," confirma Bottrell, explicando como comenzó a ser parte de Dangerous.

"El génesis de las canciones que co-escrbimos consistía en Michael tarareando melodías y ritmos (beatbox), y dejándome a mi en el estudio para desarrollar esas ideas con un montón de cajas de ritmos y samplers" dice Bottrell.

"Tan pronto como fuimos a los estudios Westlake, lo primero que Michael me tarareó fue 'Black Or White'," recuerda. "Me cantó el riff principal sin especificar con qué instrumento íbamos a ejecutarlo. También me cantó el ritmo y usé una simple caja de ritmos conectada a un Emulator, luego él se fue y me quedé un par de días trabajando en el tema.  "Para 'Black Or White' grabé una parte de guitarra más precisa, y tenía también una simple caja de ritmos haciendo un loop de una pista.  La guitarra tiene bastante swing como estribillo original de lo que Michael me había cantado, y los aparatos de percusión estaban bastante adelantados, pero el sonido general fue modificado bastante en el secuenciador para conseguir algo más complejo y menos lineal.

"Tan pronto como acabé con las partes de guitarra y caja de ritmos en el mismo día, Michael grabó una demo vocal y algunos coros.  Esa demo que grabó permaneció inalterada durante todo el año siguiente de trabajo en Dangerous y acabó siendo la toma usada en la canción final. Tenía algunas ideas sobre la forma de cantarla cuando entró por primera vez en el estudio y las fue poniendo en práctica según cantaba".

Así fue como, en un par de días de trabajo en 'Black Or White' en Westlake, Bottrell tenía grabada la guitarra, el loop de batería y un pequeño grupo de percusiones y lo que acabaría siendo la toma de voz definitiva. Sabiendo que añadir un bajo y algo más de percusión sería suficiente para colocar la letra y los coros, tomó la decisión de asegurarse de que Jackson le permitiría dejar la canción con un sonido básico y más libre y fácil de escuchar.

Por supuesto, tenía que gustarle a él o no me dejaría seguir adelante con ello, pero funcionó porque teníamos los coros y la letra, lo principal de la canción, pero había un par de partes en blanco en medio que nos hicieron mirarnos el uno al otro y decir 'bueno, vamos a poner algo más ahí'. Eran un par de buenos espacios."

"La duración total de la canción en ese momento era más o menos de un minuto y medio, y Michael siempre se siente mejor escuchando algo durante un largo período de tiempo para descubrir todo lo que pueda sobre el tema.

"Tras los dos primeros días de trabajo en 'Black Or White', grabé este gran punteo con una vieja guitarra acústica de rock & roll usando mi Gibson LG2 de 1940. Es bastante inusual y tiene unos cuantos golpes, pero tiene una acústica más profunda que la mayoría de las Gibson, puedes golpearla fuerte y no se abolla.

"Tenía esperanza de insertar un rap en el primer hueco y Michael tuvo la idea de poner guitarras de heavy metal en el segundo. Me cantó el riff y contraté a mi amigo Tim Pierce, porque yo no se tocar ese tipo de guitarras. En ese punto, la sección heavy metal permanecía intacta y Michael cantaba, lo que quería decir que sólo quedaba por hacer el rap.

"Estuve todo el tiempo diciéndole a Michael que teníamos que meter un rap, y trajo a raperos como LL Cool J y Notorious BIG* que habían grabado para otros temas. Por alguna razón, yo no tuve acceso a ellos para 'Black Or White', y se empezaba a hacer cada vez más tarde y yo quería acabar la canción. Así que un día, escribí yo el rap, me levanté por la mañana y, antes de tomarme el café, comencé a escribir lo que escuchaba, porque la canción llevaba en mi cabeza ocho meses y estaba obsesionado con intentar llenar el último hueco."

Llamé a Bryan Loren para que rapeara mis palabras y él cambió algunos de los ritmos, pero no se encontraba cómodo rapeando él mismo. Como resultado, lo canté yo el mismo día que lo abandonó Bryan, hice muchas versiones, arreglé una de ellas se la puse a Michael al día siguiente y dijo 'Ohhh, me encanta Bill, me encanta. Nos quedamos con esta'. No paré de decirle 'No, necesitamos a un rapero de verdad,' pero tan pronto como escuchó mi actuación quedó decidido y no quiso considerar a nadie más."

"A mi me parece bien" me dijo. "Realmente no puedo decir que sonara bien, pero cuando salió el disco me llevé la impresión de que la gente lo aceptó como un rap válido.

Como he dicho, la parte principal de 'Black Or White' siempre fue la misma, pero no conseguía que la parte del rap y del heavy metal sonasen correctamente. Me fui a Larrabee, donde se había traslado gran parte de la compañía, e hice una mezcla allí y pero tampoco conseguí que la parte country sonara correctamente.

No me llevó mucho tiempo unirlo todo, pero sí tardé mucho en darme cuenta de cómo debía hacerlo. Durante un tiempo estuve andando en círculos, Michael podía aparecer en cualquier momento".

Consola de Grabación de "Black or White"

soundsound.com