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HISTORY


Publicación: 16 de junio de 1995
Grabación: Septiembre de 1994 – Marzo de 1995

Michael Jackson reaparece en el año 1995 con un magnífico disco en el que, si algo sobra, es la recopilación de éxitos. En las canciones nuevas, Michael canta como nunca y como pocos. Se le nota a gusto en el inquietante universo musical que ha construido a su medida.
Aparte de sus músicos favoritos (Boddicker, Phillinganes o Bottrell), ha invitado a todo el mundo. La lista de créditos es un verdadero mundo: R. Kelly, Boy II Men, Jimmy Jam, Terry Lewis, Andrae Crouch Singers, Nile Rodgers, miembros del grupo Toto, Slash y hasta las voces de Muhamed Ali, Martin Luther King y Malcom X.
Michael se afirma como un compositor brillante, inspirado, innovador y lleno de sinceridad que ofrece sorpresas constantes y no le avergüenza mostrar sentimientos humanitarios.
Es un disco con sustancia. Michael ha tomado el timón de su música y dejado fluir su talento. Por primera vez, aparece en los créditos como guitarrista, tecladista y percusionista, además de como arreglista de metales, cuerdas y voces. Le ha costado encontrarse a sí mismo y cuando al fin lo ha hecho, ha sido con un nuevo e insólito lenguaje musical que no desprecia ni la tradición, ni ninguno de los recursos musicales, tecnológicos, líricos y vocales que tiene a su alcance.

Michael es el músico más liberado, creativo e inquieto de aquel momento.

Disco 1 – Grandes Éxitos

  1. Billie Jean
  2. The Way You Make Me Feel
  3. Black Or White
  4. Rock With You
  5. She’s Out Of My Life
  6. Bad
  7. I Just Can’t Stop Loving You
  8. Man In The Mirror
  9. Thriller
  10. Beat It
  11. The Girl Is Mine
  12. Remember The Time
  13. Don’t Stop ‘Til You Get Enough
  14. Wanna Be Startin’ Somethin’
  15. Heal The World

Disco 2

  1. Scream
  2. They Don’t Care About Us
  3. Stranger In Moscow
  4. This Time Around
  5. Earth Song
  6. D.S.
  7. Money
  8. Come Together
  9. You Are Not Alone
  10. Childhood
  11. Tabloid Junkie
  12. 2 Bad
  13. HIStory
  14. Little Susie
  15. Smile

CRITICA DISCOGRAFIA

Record Rewind: Michael Jackson – HISTORY: Pasado, Presente, Futuro Libro 1 – Andres Le – renownedforsound.com

En 1995, el Rey del Pop estaba solidificando su legado después de los tumultuosos años anteriores.

Gracias al formato de esta compilación (15 grandes éxitos con 15 pistas completamente nuevas), Michael lanzó furtivamente al mundo del pop un nuevo álbum de estudio en el que hizo lo que quiso sin alejar a los compradores de discos.

Algunas de las mejores grabaciones de la música pop se encuentran en el primer disco. Afortunadamente, el segundo disco tiene incluso más de los mejores momentos de Michael grabados en cinta y se mantiene como un sólido álbum de estudio. Las primeras cinco pistas son la serie más fuerte de cinco pistas en cualquier otro álbum de Michael.

Scream finalmente une a Michael con su hermana Janet, así como con sus principales colaboradores, los productores Jimmy Jam y Terry Lewis. Este giro industrial y furioso en el trabajo anterior de new-jack-swing de Michael tiene a Michael y Janet tratando de superarse mutuamente mientras reparten líneas contra sus críticos.

El himno de rock They Don’t Care About Us es un punto culminante en todo el catálogo de Michael Jackson. Stranger in Moscow es la última canción subestimada de Michael Jackson; la producción y la composición de Michael no han sido superadas. Esta era claramente un alma torturada que derramó todo su ser en esta obra maestra engañosamente simple y hermosa sobre la soledad experimentada en una gira en Moscú.

Michael les da a los oyentes ‘vida’ con la épica balada pop influenciada por el evangelio “Earth Song”. Originalmente criticado por ser demasiado rimbombante y sermoneador, la pista en retrospectiva es un refuerzo del humanitarismo inquebrantable de Michael. Michael proporciona algunas de sus voces más apasionadas, mientras llora y luego grita sobre la apatía de la humanidad para cuidar de sí misma. El coro de la pista es otro golpe maestro, ya que Jackson compuso deliberadamente un coro universal sin palabras ‘ah-ah-ahhhh-ah-ah-ah’ para que todos los oyentes, independientemente de su origen cultural, canten.

La furia se ve interrumpida por el clásico éxito pop escrito por R-Kelly, You Are Not Alone y una nueva versión adecuada y moderna de Smile de Charlie Chaplin (que aparentemente es una de las canciones favoritas de Michael).

Michael estaba volviendo a conectar con su público al combinar una compilación adecuada de grandes éxitos con un álbum que reflejaba su estado de ánimo y ponía a prueba los límites de su creatividad. La ira que exudaba el segundo disco pudo haber sido demasiado para los oyentes en 1995. El hecho de que esta compilación de 2 discos estuviera subtitulada ‘Libro 1’ hizo que los oyentes anticiparan un ‘Libro 2’ que nunca llegaría. En la reevaluación, es evidente que Michael desató todo lo que sentía en su música, lo que parecía ser un consuelo para él. HIStory es en general un retrato muy revelador de Michael Jackson: el intérprete, compositor, productor, humanitario e incluso el hombre detrás de la música.

HIStory rompió récords de ventas en su primera semana en las listas. En el Reino Unido vendió 100.000 copias en solo dos días y en Australia el pedido anticipado de 130.000 copias fue el envío inicial más grande en la historia de Sony Australia. Se observaron cifras de ventas similares en toda Europa. En los Estados Unidos y otros 18 países, el álbum llegó al número 1.
Sony informó en agosto de 1995 que las ventas en sus dos subsidiarias de música en Japón y Estados Unidos aumentaron un 2,2 por ciento en gran parte debido al álbum HIStory de Jackson.
Además, también se lanzaron cinco sencillos del álbum. “You Are Not Alone”, por ejemplo, rompió un récord mundial al convertirse en el primer sencillo en debutar en el número 1 en las listas musicales de Billboard.

The Pop History Dig – The Jackson Statues – Jack Doyle – 30 de Junio de 2009

‘History’: la brillante y contestataria locura de Michael Jackson – por JD Romero – 13/01/2019

En 1994 y con treinta y tantos años, Michael Jackson -y aunque suene surrealista- había conseguido más hitos en la música que cualquier otro artista en la historia.

Léase: primer y segundo disco más vendido de todos los tiempos (‘Thriller’ y ‘Bad’), mejor álbum de R&B de la historia (‘Off the wall’), clip más legendario (‘Thriller’), más premios Grammy en una sola noche (ocho de una vez)… Y muchísimas más cosas entre las que se hace difícil destacar solo algunas.

De esa manera y con prácticamente todo conseguido resultaba complicado volver a sorprender y entregar algo realmente original. Lo que no sabíamos es que Michael tenía un as bajo la manga.

Michael Jackson decidió meterse en el estudio y englobar de alguna manera todos los sonidos que había creado a lo largo de su carrera. Y no solo eso: añadió letras mucho más complejas y nos entregó ese disco mucho más maduro y en momentos casi revolucionario llamado ‘History’ (1995).

El funk de ‘Scream’, el rap y gospel político de «They Don’t Care About Us», la ultrapersonal ‘Stranger in Moscow’, la romántica ‘You Are Not Alone’. También la maravillosa y comprometida con el medio ambiente ‘Earth song’. Por no hablar de la sensiblera y sincera ‘Childhood’, la sobreproducida y brillante ‘Tabloid junkie’, la definición de eclecticismo en ‘History’ o esa preciosidad llamada ‘Smile’. Todas ellas demuestram que el rey del pop probablemente sea el mayor todoterreno de la historia de la música.

‘History’ es un homenaje musical a todos los Michael Jackson que habíamos oído hasta el momento en versión actualizada y mejorada.

De Notorious BIG a Slash de Guns n’ Roses pasando por Boyz 2 Men o Shaquille O’Neal, ‘History’ es un álbum completísimo en que vemos a un Jackson tan comprometido como valiente. Aunque se intuía, desde el vídeo promocional del disco en que casi se presentaba como un líder comunista entre gritos y desmayos de la gente.

Un álbum en que (como una extensión de ‘Dangerous’) el artista daba un golpe en la mesa y se situaba como mucho más que aquel niño prodigio que toda América amaba.

Si ‘Bad’ era un maravilloso álbum pero accesible y melódico y ‘Dangerous’ era excesivamente urbano, Jackson quiso demostrar al mundo que su mente estaba mucho más allá y que era capaz de conectar con el público de todo el globo.

De esta manera ingenió un álbum larga duración en que de algún modo conectara con todos sus sonidos anteriores añadiendo nuevos mensajes.

‘History’ sigue sonando vanguardista, rompedor, comprometido y tan personal como una mente musical de un Michael Jackson que era capaz de componer, coproducir, crear vídeos musicales, bailar y hacer giras mejor que cualquier otro humano hasta el momento. Podium que sigue estando vigente.

‘History’ es la obra más personal que un músico brillante que no se conformaba con simplemente hacer pop con toques de otros estilos, y que tenía los pies en el estudio y la cabeza en la calle. Algunas de sus canciones siguen siendo inimaginables a día de hoy por lo arriesgadas y valientes (y políticas) de sus propuestas.

Quiso hacer historia y la hizo.


ANALISIS DE LAS CANCIONES

1 – Scream:
James Harris II, Terry Lewis, Michael y Janet Jackson

Fue el primer corte del disco con la participación de su hermana Janet. El video es excelente. Toda la bronca, toda la fuerza de dos hermanos en una nave espacial en orbita fuera de la tierra. Debutó en el puesto número cinco en el BillBoard Hot100 Charts, todo un récord, superando a The Beatles con “Let It Be” cuando en 1970 el tema ingresó en el puesto número 6.

Michael dijo… “algunas veces lo único que uno puede hacer es gritar”.

“Scream” es una canción contestataria, de represalia dirigidas a los medios de comunicación sensacionalistas.

“Scream” fue co-escrito, compuesto y producido por Jimmy Jam and Terry Lewis, incorporando elementos de pop, electrorock, dance-pop y funk. La grabación tuvo lugar en The Hit Factory en Nueva York y en Flyte Tyme Studios en Edina, Minnesota, en diciembre de 1994. Jam y Lewis tenían que escribir un uptempo, con música agresiva.

Llegaron a la Hit Factory de New York City con siete secciones rítmicas. Michael elegió su favorito, y el día siguiente los cuatro se reunieron en su apartamento de la Trump Tower. Michael creó la melodía y Janet trabajó por separado en la letra aconsejada por Lewis. Michael había dicho que quería algo que reflejara lo furioso que se había sentido los dos años anteriores.

“Scream” se cita en primer lugar como una canción agresiva, de represalia dirigidas a los medios de comunicación sensacionalistas.

Cuenta Jimmy Jam que “Michael realmente no nos dio ninguna dirección. Él solo dijo: ‘Piensa en un montón de canciones y escucharé lo que se te ocurre’. Entonces, durante un período de tres o cuatro días, comenzamos a crear unas cinco pistas diferentes en nuestro estudio en Minneapolis.”

Jimmy señala: “Michael dijo: ‘Este es el que quiero, está enojado, agresivo, eso es lo que quería’. Janet se echó a reír y dijo: “Te lo dije”.

Está claro que Jackson estaba usando este proyecto como una salida para canalizar sus frustraciones y esto se extendería a las composiciones implacables y contundentes de las pistas.

Janet discutió el proceso de escritura colaborativa con su hermano,“Él y yo trabajamos juntos en la melodía y el contenido lírico, y realmente representaba lo que estaba pasando en ese momento de su vida, que fue un montón de drama.”.

Janet también contribuiría con el título de la canción y las letras del puente. Michael escribiría el resto de la canción. Jam observa cómo la melodía se ocupó más de la fuerza de Michael como vocalista, pero Janet asumiría el desafío de ampliar su estilo vocal, “Michael dijo: ‘Tengo una idea’, y comenzó a encontrar una melodía y un ritmo para la canción, pero sin palabras. Luego comenzó a cantar la melodía, pero nos dimos cuenta de que era demasiado baja para Janet. Era más importante para él que para ella y teníamos que asegurarnos de que a Janet le fuera bien, pero ella simplemente dijo: ‘Es su álbum, su canción y sus sentimientos, y yo soy solo la invitada’.

Michael, tenía cosas que sacar de su pecho y de eso se trataba. Grabar la canción fue probablemente una de las experiencias más alucinantes de la historia. Entró en el estudio, muy amable y muy amable: “Está bien, voy a probar mi parte ahora …”. Entonces Michael entra y en el momento en que comienza la música, se convierte en el Demonio de Tasmania. Es una persona completamente diferente, pisando fuerte, aplaudiendo, tiene joyas sonando, todas las cosas que no debes hacer en el estudio. Terry y yo estamos sentados allí diciendo “¡Dios mío!” – comenta Jimmy Jam.

La grabación tuvo lugar en The Hit Factory en Nueva York para Michael y en Flyte Tyme Studios en Edina, Minnesota, para Janet en diciembre de 1994. La grabación fue enviada a Michael, quien al escuchar el excelente sonido decidió grabar en Minnesota nuevamente su parte. Sin embargo el 90 por ciento de la parte de Scream de Michael procede de Hit Factory de Nueva York.

2 – They Dont´s Care About Us:
Michael Jackson

“They Don’t Care About Us” (Nosotros no les importamos) fue el tercer sencillo en Estados Unidos, cuarto para Europa.

El mensaje resuena bien entre los oprimidos y aquellos que lo conocen, pero la grandeza de la pista también se basa en la entrega del mensaje. La melodía simple de dos notas permite que la canción se pegue mucho más fácilmente, creando un camino cristalino para que los oyentes lo entiendan. Es simplista, pero complejo en sus múltiples implicaciones y elementos ocultos.

Jackson deja en claro que la canción no se trata solo de él, sino de su gente y de todas las personas oprimidas. Al mismo tiempo, deja que el mundo sepa exactamente qué es lo que lo irrita. Con su propia experiencia abriendo los ojos al dolor y la injusticia lanzada contra millones, Jackson busca concienciar al resto del mundo. En una época en la que la injusticia social, particularmente hacia las personas de color, es mucho más visible, las actitudes hacia la injusticia social han llevado a una total intolerancia a la injusticia.

Es una pegadiza balada percusiva, con un leve colchón de teclados ofreciendo un toque cool. Este tema fue utilizado para promocionar su bebida oficial en Europa.

Jackson continuaría volviéndose cada vez más filantrópico y político en su composición a medida que avanza su carrera. Michael se volviera más consciente de los problemas sociales, y comenzaría a incorporar el tema en su arte mientras los contrastaba con sus propias experiencias.

Una de las primeras bases para la composición se desarrolló durante las sesiones de grabación de Dangerous, como señaló el productor Bryan Loren, que trabajó con Jackson durante las primeras sesiones en 1990. “Esta fue una canción que había comenzado incluso antes de que me uniera a él para Dangerous. Una de las primeras cosas que escuché fue esta canción, pero luego fue dejada de lado en ese momento “.

La pista finalmente se grabaría y se completaría para el proyecto HIStory, como señaló el productor Brad Buxer: “No comenzamos desde el trabajo inicial de otra persona, comenzamos desde cero”.

Buxer notó la importante contribución de Jackson en la creación de la canción icónica: “Michael escribió toda la canción, por supuesto. Tenía todo en su cabeza y éramos él y yo sentados en la sala de control cada día con otras personas como Rob Hoffman, Andrew Scheps y Eddie Delena.”

Rob Hoffman, habló sobre la grabación de la guitarra en el puente, “Tuvimos toneladas de programadores y guitarristas que grabaron y llenaron su propia cinta de 24 pistas con sobregrabaciones: Jason Miles, Jeff Bova, Trevor Rabin, Slash y muchos más …

Aparentemente , después de que Trevor y Slash hicieron su parte, alguien se dio cuenta de que habían tocado las notas equivocadas en el riff del puente principal, entonces pidieron al propio productor Rob Hoffman que tocara las notas faltantes. Una fusión de todas estas contribuciones, incluido el propio trabajo de guitarra de Hoffman, se convertiría en el puente final de la canción.

Cuenta el productor musical Michael Boddicker que estuvo a cargo de parte de la producción de “They don´t care abous us” que Jackson mandó a grabar las voces de algunos niños en las calles de Nueva York cantando la introducción del tema “All I wanna say is that they don’t really care about us” y como no quedó conforme con el resultado le pidió que se ocupara de la cuestión.

El productor contrató una agencia vocal para tres diferentes enfoques, conseguir a los chicos, averiguar el tempo que debería ser, los acompañamientos, la actitud, la conducta y después unirlo todo. Y por si fuera poco, Michael quería grabarlo en la calle, y estábamos en época de lluvias en Los Ángeles. No pudimos encontrar un día. A lo largo de tres semanas no hubo un día en que o no lloviera o supuestamente fuera a llover. Pero conseguimos hacerlo y salió genial. Me gustan esa clase de problemas y experiencias.

Líricamente, Jackson toma una perspectiva universal de la canción, interpretando el papel de aquellos que a lo largo de la historia han sido víctimas o han encontrado prejuicios. Proporciona comentarios sobre el abuso del sistema judicial y las consecuencias de ser acusado falsamente de un delito.

Michael respondió al New York Times en un comunicado por la controversia que se generó por algunas estrofas de la canción, señalando:“La idea de que estas letras puedan considerarse objetables es extremadamente dolorosa para mí y engañosa. De hecho, la canción trata sobre el dolor del prejuicio y el odio y es una forma de llamar la atención sobre los problemas sociales y políticos. Soy la voz de los acusados ​​y los atacados. Soy la voz de todos. Soy el skinhead, soy el judío, soy el hombre negro, soy el hombre blanco. No soy el que estaba atacando. Se trata de las injusticias para los jóvenes y cómo el sistema puede acusarlos injustamente. Estoy enojado e indignado de ser tan mal interpretado”.

Está muy claro en el contexto de la canción que no se pretendía el antisemitismo, para una canción literalmente sobre prejuicio social y discriminación.

3 – Stranger In Moscow:
Michael Jackson

Es importante comprender de donde surgió “Stranger in Moscow” para apreciarlo de verdad. Fue escrita en un día lluvioso en Moscú, y Jackson llamó a su director musical, Brad Buxer, a su habitación de hotel porque le había llegado la inspiración. Está claro al escuchar la canción que, a través de su angustia, Michael había aprovechado algunas de las fuerzas de inspiración más profundas. Al mismo tiempo, es completamente posible aprovechar los sentimientos de aislamiento y soledad de los que surgió la canción simplemente a partir de los acordes y la letra. No es una canción que se pueda apreciar simplemente dejándola sonar de fondo. Uno debe sumergirse completamente para ser transportado.

“Stranger in Moscow” es muchas cosas a la vez. Como estar en un sueño, atrapado en un vacío, existiendo en un plano de vida completamente diferente. Como ser invisible, con el mundo entero pasando justo a tu lado. Como una tormenta inquietante en el horizonte; nubes oscuras, fuertes lluvias, truenos retumbantes en la distancia. Mirando hacia la lluvia con el peso del aislamiento aplastando tus hombros.

El resultado es una de las piezas musicales más hermosas jamás creadas por Michael Jackson. Se construye constantemente sobre sí mismo. El ritmo, creado a partir del beat boxing de Jackson (que aún permanece oculto en la canción final), da paso a una guitarra rítmica sombría. Los ritmos se acumulan, las cuerdas comienzan a elevarse lentamente, el bajo resuena y, de repente, la voz de Jackson, triste e inquietante, surge como si saliera de la oscuridad, del vacío.

La canción plantea una pregunta clave: “¿Cómo se siente cuando estás solo y tienes frío por dentro?” Al escuchar la voz de Jackson y su elección de palabras, es fácil ver y sentir lo que él sintió. Es sin duda una de las canciones más duraderas y poderosas de Jackson. Con razón, es posiblemente su más inquietante.

Dijo Michael … “fue escrita en Moscú. Era un momento extraño, misterioso y solitario para mi. Afuera del hotel había un mar de seguidores cantando y gritando. Pero yo estaba en la habitación y me sentía muy solo, como si fuera la última persona en todo el planeta. Ese día tuve un sentimiento diferente y la canción vino a mí…”

Como señala Buxer: “terminamos la gira y comenzamos a trabajar en el álbum HIStory. Fui a Nueva York con Eddie Delena, un ingeniero maravilloso. Así que estuve allí durante un mes sin Michael y comencé a trabajar en Stranger In Moscow. Entonces Michael vino y era exactamente lo que había imaginado que sería la producción. Había dividido los sonidos, los había secuenciado y corté los sonidos.”

La canción “Stranger In Moscow” comienza con el beatbox de Michael Jackson. La voz de Michael es lo más destacado en la pista, con el cantante emulando perfectamente sentimientos de aislamiento y desesperación, capturados a través de la vulnerabilidad en su voz. Hay un entrelazamiento perfecto entre las voces principales de Jackson y las voces de fondo que actúan como una especie de llamada y respuesta.

4 – This Time Around:
Michael Jackson

La canción tiene un rap interpretado por ”’The Notorious B.I.G”’.
Era un tema bastante avanzado instrumentalmente por Dallas Austin. Cuando se presentó The Notorious BIG al estudio para grabar el rap de This Time Around, estaban el ingeniero y Dallas Austin para recibirlo. Cuando entró por la puerta no sabían qué esperar de él en cuanto a actitud, era una figura imponente.
Dijo que admiraba mucho a Michael y preguntó si se lo iban a presentar, de una forma un tanto tajante. Le dijeron que sí, pero que primero tenían que grabar el rap. Biggie se metió en el estudio y a la primera toma, hizo de corrido un rap asombroso, era justo lo que querían, el ingeniero y Dallas Austin se quedaron impresionados. Grabaron una segunda toma por simple precaución. Entonces avisaron a Michael, y cuando apareció por la puerta, The Notorious BIG rompió a llorar, y tartamudeando se puso a reverenciar a Michael, y a elogiarle y agradecerle por lo mucho que su música había influido en su vida.

Michael finalmente pidió escuchar lo que se había grabado en los grandes altavoces. ¡A Michael le ENCANTÓ y estaba emocionado de decirle a Biggie eso! «Oh, escuchémoslo de nuevo», dijo Michael y volvimos a escuchar. A Michael simplemente le encantó … y le agradeció a Biggie por venir desde Filadelfia.

Este single iba a ser lanzado en diciembre de 1995 en un concierto especial para la cadena de televisión HBO llamado One Night Only! pero fue cancelado debido a un colapso que sufrió Michael Jackson durante una actuación.

Michael finalmente elegiría esta canción para trabajar de aproximadamente una docena de ideas básicas que Austin presentó al cantante. Inicialmente, Dallas Austin envió instrumentales y Michael les enviaría su idea “. Rob Hoffman recuerda: ” Dallas llegó con trece pistas y This Time Around fue una de esas canciones”. Otros contribuyentes a la pista incluirían a los productores Rene Moore y Bruce Swedien, aunque no tan involucrados como Austin.

La canción se desarrollaría durante la última parte de las sesiones de grabación de HIStory con Swedien agregando un puente a la pista. Hoffman señala: “Toda esa sección de rap del puente fue realmente creada por Bruce, y Simon Fanglen tocó los teclados en la sección… Esa canción llegó bastante cerca del final, en los últimos cuatro meses, por lo que fue bastante fácil”.

5 – Earth Song:
Michael Jackson

El sencillo vendió 3,5 millones de copias en todo el mundo. Fue número uno en las listas del Reino Unido durante seis semanas, siendo el sencillo de Jackson con mayor éxito en dicho país, con 1 millón de copias vendidas. Fue el cuarto single más vendido en su carrera, a pesar de que el single no fue lanzado en Estados Unidos.

Es la canción ecológica del disco. Fue la más impactante de este álbum. Candidata indiscutible para convertirse en todo un clásico.

Dice Michael “recuerdo haberla escrito en Austria. Yo sentía mucho dolor que venía del centro del planeta tierra. Esta es mi oportunidad de dejar que la gente escuche la voz del planeta…”. “Respeto los secretos y la magia de la naturaleza. Por eso me enfado tanto cuando veo esas cosas que están sucediendo en nuestro mundo. Que cada segundo que pasa se destruye en el Amazonas la extensión equivalente a un campo de futbol. Quiero decir que esta clase de cosas son las que realmente me molestan. Por eso escribo este tipo de canciones. Para concienciar a la gente y despertarla y darles esperanza. Amo el planeta. Amo los árboles. Tengo este sentimiento por los árboles –y por el color y el cambio de sus hojas. ¡Me encanta! Y respeto esa clase de cosas.
Realmente creo que la naturaleza está tratando de compensar afanosamente el mal manejo que hace el hombre del planeta. El planeta está enfermo, con fiebre. Si no lo arreglamos ahora, estaremos en el punto en que no hay vuelta atrás. Esta es la última oportunidad que tenemos para resolver el problema. Es como un tren sin control. Cuando llegue el momento, se acabó. La gente siempre dice, ‘Oh, ellos tendrán cuidado de él, el gobierno lo hará.’ ¿Ellos? ¿Ellos quién? Empieza por nosotros. ¡Somos nosotros! O nunca se hará.”
– Michael Jackson, Junio 2009.

Michael y los productores a menudo trabajaban en una pista y si sentían que no estaba completa o no encajaba con el sonido o el concepto de un álbum, sería abandonado. Sin embargo, a menudo resucitaba la canción o la idea durante las sesiones de grabación para proyectos posteriores. Earth Song es un ejemplo tal como señala el productor Bill Bottrell; “Michael siempre se ha sentido mejor realmente desarrollando algo durante un largo período de tiempo para descubrir todo lo que pueda al respecto”.

Jackson discutió la génesis de la escritura de esta aclamada canción,“esta es mi oportunidad de dejar que la gente escuche la voz del planeta. Y esta es “Canción de la Tierra”.

Si bien la estructura básica y la melodía de la canción se desarrollarían durante el Bad Tour en 1988, algunas letras diferirían ligeramente de la canción completa.

“¿Qué pasa con el amanecer, qué pasa con la lluvia, qué pasa con todas las cosas que dijiste que volverían?. La letra continuaría evolucionando con Jackson tomando una perspectiva más expansiva y universal para la composición.

Una primera versión de la canción, titulada What About Us, se grabó durante las sesiones de grabación Dangerous en 1990, producida por el colaborador de Jackson, Bill Bottrell. La instrumentación difiere ligeramente de la versión finalmente lanzada en HIStory, especialmente la voz de Jackson se altera durante el clímax, reemplazando un falsete sublime con la poderosa voz presentada en el lanzamiento.

Steve Ferrone, que tocaba la batería en la pista, recordó su discusión con Jackson sobre la percusión que se presentaría,“Michael entró al estudio y dijo que quería que yo materializara lo que tenía en mente para dos canciones, creo. Entonces escuché la primera canción y luego la segunda canción, que era Earth Song. Fue entonces cuando dijo que quería baterías electrónicas. Le dije: “¿Por qué demonios quieres baterías electrónicas en algo llamado Earth Song?”.

Ferrone tocaría con batería electrónica como Michael solicitó, pero luego también presentó una versión en batería en vivo. Jackson finalmente eligió la batería en vivo.

La pista también presentaría una línea de bajo prominente, impulsando la naturaleza pulsante y dramática de la composición.

El guitarrista Guy Pratt recordó su experiencia tocando el bajo en la canción: “La canción estaba casi terminada y sonaba increíble y muy expansiva. Creo que la línea de bajo que se me ocurrió suena más o menos como la línea de bajo en Bad “. Todas estas contribuciones a la pista en desarrollo tendrían lugar durante las sesiones de grabación de Dangerous . Cuatro años después, Jackson y los productores volverían una vez más a la canción.

El compositor David Foster, que había estado trabajando con Jackson en los arreglos orquestales para otras canciones durante estas sesiones, también trabajó en la pista, trayendo al compositor Bob Ross para agregar parte de la canción. Bottrell a veces se puso aprensivo con la participación de Foster en una pista en la que trabajó inicialmente. “Foster se sintió frustrado con Michael porque seguía volviendo a mi versión. No estaba feliz de encontrar el nombre de David Foster en lo que consideraba mi mejor producción de la historia ”. Foster sugeriría que Michael Thompson contribuya con una parte de guitarra a la pista, como señala Hoffman, “no para disminuir el trabajo de Michael, pero en realidad tratamos de que Eric Clapton tocara para eso, pero él se negó a hacerlo”. Él (Thompson) hizo un trabajo increíble ya que es uno de los mejores guitarristas de la historia ”.

Jackson también aprovechó la oportunidad para volver a grabar su voz para el final culminante, reemplazando el falsete con la voz convincente que aparece en la canción terminada.

Uno de los productores recordó la grabación de la increíble voz de Jackson, que en última instancia sería la interpretación vocal final grabada para el álbum: “Todavía tenía que cantar la última parte de la canción, y la razón por la que se dejó para el final es porque destruye su voz”. Sabía que tenía que ser lo último que iba a cantar. Sabía de ese poder y de su última voz, y eso es lo que escuchas en esas improvisaciones. Eso fue una gran cantidad de ese último fin de semana “.

Originalmente, la canción debía estar compuesta de tres partes, la primera de las cuales era un poema hablado titulado Planet Earth y presentado en el libro Dancing The Dream de Jackson lanzado en 1992, sobre un acompañamiento orquestal. La segunda parte debía ser la canción que todos conocemos hoy y la final, un epílogo orquestal, que permanece inédito.

Para resumir, “Earth Song” podría describirse mejor como un gran espectáculo de rock, ópera, blues y gospel. Los versos dolorosos de apertura de Jackson contienen elementos de blues, mientras aparentemente contempla las ruinas de la Tierra. Los elementos del evangelio emergen con el uso de la llamada y la respuesta del Coro Andrae Crouch a la voz operística de Michael.

Es una muestra poderosa del profundo cuidado de Michael por el Planeta Tierra y su sensibilidad hacia los problemas del mundo. Pero importa que sea capaz de poner esto en su creación. Lamenta específicamente el trato a los animales, la destrucción del medio ambiente, la guerra, los niños, la pobreza. Comienza la secuencia final diciendo: “Los cielos se están cayendo, ni siquiera puedo respirar”, hablando del peso que lleva al preocuparse por estos problemas en la vida real.

6 – D.S:
Michael Jackson

La canción es a menudo citada como una referencia peyorativa al fiscal del Distrito del Condado de Santa Barbara, Tom Sneddon, cuyo nombre es similar al tema de la canción, Dom Sheldon.

La canción “D.S.” está escrita, compuesta y producida por Michael Jackson, e incluye un solo de guitarra de Slash. Es una canción de rock que transmite temas tales como la amargura, el aislamiento y la paranoia como el resto del álbum.

Cuando Jackson fue acusado la investigación fue controlada por Sneddon. La investigación penal se cerró y Jackson no fue acusado de un delito. Jackson se enojó por las acusaciones, su percepción de ser maltratado por la policía y los medios de comunicación, y el efecto negativo sobre su salud.

La búsqueda incansable de Sneddon de enjuiciar a Jackson, a pesar de la evidencia que decía lo contrario, se convirtió en una cruzada personal. Michael hace referencia a esto a lo largo de la canción con un poderoso sentimiento. “Quieren que mi trasero muera o muera. Sabes que realmente trató de derribarme por sorpresa. Apuesto a que se ha enviado a la CIA. No hace la mitad de lo que dice”.

Rob Hoffman discutió el desarrollo de la canción líricamente: “Recuerdo que la canción comenzó inicialmente como un conjunto de iniciales antes de que hubiera alguna voz, las iniciales estaban en su lugar desde el principio. Cuando salió la letra, recuerdo a Bruce Swedien tratando de ser una voz de razón y guiar a Michael hacia la decisión correcta “.

Slash volvería a trabajar con Michael en este proyecto, aportando el solo de guitarra presentado en el puente junto con un solo de sintetizador de Larry Williams.

Buxer también contribuiría en DS tocando teclas y recordó la experiencia: “Cuando me di cuenta de en qué se estaba convirtiendo la canción, nunca la mencioné porque no era asunto mío … No creo que Michael haya tratado de enviar un mensaje a nadie: hizo la canción porque estaba molesto. No creo que estuviera pensando demasiado en esto. Simplemente hizo lo suyo al respecto: escribir una canción ”.

7 – Money:
Michael Jackson

“Money” es otro enfoque del sonido New Jack Swing fuertemente incorporado en Dangerous, con la canción construida alrededor del ritmo aleatorio y acentos de percusión, así como un bajo sutil. Es uno de los más despojados del catálogo de Jackson, pero es probable que sea un efecto intencional ya que el poder de la canción está en la letra. Aunque habla en general sobre hazañas humanas extremas por dinero, Michael lo relaciona con sus propios problemas personales a través de su punto de vista, ya que muchos buitres gravitaban a su alrededor por dinero.

Describe una sociedad y personas poseídas por una obsesión demoníaca y una búsqueda de dinero, incluso dispuestas a lastimar y traicionar a otros para beneficio personal, llamándolo “el juego del diablo de la codicia y la lujuria”. El coro incluso dice “Mentiría por ti, moriría por ti, incluso vendería mi alma al diablo”. Va tan lejos como para hacer referencia a los magnates de los negocios históricos conocidos por construir fortunas a través de medios clandestinos, incluidos Cornelius Vanderbilt, JP Morgan, John D. Rockefeller, Donald Trump, Andrew Carnegie y Jean Getty.

Al igual que el álbum en sí, la canción importa porque toma la experiencia personal de Jackson y la relaciona con el estado del mundo. Incluso es su forma de hacer que la gente se dé cuenta de la razón por la que fue atacado.

“Money” es una de las pistas más singulares e impresionantes del álbum, tanto en términos de la naturaleza de su composición como de la entrega vocal experimental de Jackson.

Comenzando con tambores y una línea de bajo irresistible, la canción continúa construyendo en capas e intensidad.

Fue una de las primeras canciones durante las sesiones de grabación de HIStory.

El productor Rob Hoffman discutió la génesis del ritmo de percusión prominente en la canción: “Comenzó con un bucle y una línea de bajo, los bucles están en un CD llamado Skip To My Loops y cualquiera puede obtenerlos. También fue la forma en que los colocó en capas, y todos fueron colocados en un teclado y él se sentó con Brad y dijo: “Este bucle va aquí y este bucle va allí, entonces vas a poner un tambor encima de esto. “La forma en que Michael usó casi las mismas herramientas que todos los demás tenían a su disposición y lo puso en esta canción y son los huesos de la canción “.

Jackson ofrece lo que es similar a un rap de palabras hablada en los versos, haciendo referencia a los intentos de extorsión a los que fue sometido con una gran convicción.

El canto de los vocalistas de fondo aporta una dimensión urbana a la pista mientras Hoffman recuerda la grabación,”La voz de Michael es la principal, pero hay fragmentos de líneas y dobles en los versos “no les importa, lo hacen por el dinero “, cantando fondos sobre eso. Lo hicimos en Studio 3, bastante temprano en el proceso.

El legendario músico y productor Nile Rodgers aparecería en la canción tocando la guitarra. Hoffman recordó cómo sucedió esto, “Michael dijo:” Oh, necesitamos un guitarrista realmente funky “. Hoffman sugeriría traer a Rodgers que había estado trabajando de manera intermitente en la Hit Factory alrededor del tiempo en que Jackson estaba grabando.

Rodgers recordó la experiencia: “Vine, me llevó unos diez minutos interpretar el papel porque Michael sabía exactamente lo que quería, y luego, cuando me iba, dijo:” Nile, podemos hablar un minuto “y luego nos sentamos abajo y habló durante horas y horas”.

El trabajo de guitarra característico de Nile elevaría los elementos funk de la pista y la canción brillaría como una de las piezas más subestimadas que aparecen en el álbum.

8 – Come Together:
John Lennon y Paul McCartney

La aparición de la pista en History es algo confusa, especialmente considerando el video musical grabado para el largometraje “Moonwalker” y su otro lanzamiento como lado B de Remember The Time.

Apenas se ha tocado desde su grabación original, un movimiento raro para el artista perfeccionista. Se volvió a grabar la parte vocal y se agregó percusión a la versión grabada en 1987 para la película “Moonwalker”. Es una interpretación más funky de la versión de los Beatles.

Bill Bottrell recordó la creación de la pista, “Durante las sesiones de Bad, Michael me pidió que lo llevara a Westwood una noche. Durante el viaje, tocamos muchas canciones de los Beatles que había compilado en una cinta; estaba bastante interesado en mi opinión, y le dije que deberíamos elegir “Come Together”. En un par de días después grabamos la pista juntos, tocando guitarras y usando algunas cosas crudas de midi “.

Él observa cómo su papel inicial como ingeniero se convirtió en productor de la canción, “En el caso de Michael, “Come Together “entraría en esa categoría. Oficialmente solo era un ingeniero, pero jugué y produje toda la pista (en una forma midi muy cruda) y nunca pensé que era material de lanzamiento. Pero Michael me apoyó y me motivó, y cambió mi vida. . . “.

La versión presentada en este álbum diferiría ligeramente de la canción lanzada anteriormente. Lo más notable es que el bajo se reemplaza y se presenta de manera más prominente, y la pista se edita significativamente.

La voz de Jackson es lo más destacado, con el cantante mostrando su talento para producir una actuación poderosamente cruda y conmovedora. Michael recordó sobre la grabación: “Acabo de entrar y en una toma comencé a cantarla. La mantuvimos cruda y funky. Fue espontáneo, pero sabía que quería hacer algo con ella “.

9 – You Are Not Alone:
R. Kelly

La canción, fue escrita por R. Kelly y luego se pudo comprobar que era un plagio. Jackson se mostró interesado en grabar este tema musical luego de que Kelly le enviara un demo.

Al ser lanzado como sencillo, “You Are Not Alone” se convirtió rápidamente en una de las canciones más exitosas de la carrera musical de Michael Jackson en Estados Unidos, donde vendió más de un millón de copias. En América, Oceanía y Europa, el sencillo tuvo también gran acogida por parte del público, entrando al repertorio de las canciones más escuchadas en más de quince países.

Es una balada de amor seductora, la única canción de amor del álbum. Hay un sentimiento sombrío en la canción, una sensación de anhelo y desesperación, pero también un sentimiento de deleite por venir. La melodía es llevada y realzada por el sintetizador radiante que hace eco sobre ella. A lo largo de los versos, Jackson lamenta la pérdida del amor y recuerda lo que alguna vez tuvo.

Donde “Stranger in Moscow” parecía ser un implacable vacío de aislamiento, “You Are Not Alone” parece contener una respuesta a esa soledad.

R. Kelly le presentaría dos canciones líricamente completas a Michael; You Are Not Alone y Life, ambas con demos cantado por él, imitando el estilo vocal de Michael en la demostración como guía.

El ingeniero de sonido Peter Mokran recordó la emoción de Jackson por la canción, “el demo fue enviado a Michael Jackson y escuché de Bruce Swedien que le encantó y que cuando lo cantó, se sintió increíble”.

Mientras que Jackson originalmente se inclinaba por el tema “Life”, Kelly convenció a Jackson de que You Are Not Alone sería comercialmente viable señalando: “Va a ser grande”.

Jackson recordó la génesis de la canción, “R. Kelly me envió esta cinta de la canción y me gustó lo que escuché. No tenía armonías y no tenía modulaciones, así que le dije que escribió una gran canción, ¿está bien si entro y hago lo que creo que esta canción debería haber hecho? Él dijo ‘seguro’, así que entré y lo produje. Puse un coro al final e hice una gran modulación para que la canción tuviera un sentido de clímax y estructura”.

Peter Mokran, que trabajó en la pista, programando sintetizadores y tambores, señaló: “La pista original se realizó con R Kelly y Lafayette Carthon. Muchos de esos sonidos fueron básicamente lo que usamos”.

Hoffman señala además: “El ritmo RNB muy básico en el verso es realmente la parte principal de la canción. Más tarde, comienza a construir un poco más de orquestación con la guitarra acústica. Luego estaban las partes de Steve Porcaro y los coros de Andrae Crouch”.

Cuando Michael comenzó a grabar sus propias voces, Porcaro continuaría desarrollando la composición, desarrollando un paisaje sonoro delicioso, agregando toques a la naturaleza escasa y lenta de la pista.

Mokran recordó el desarrollo de la canción con Michael,“Yo diría que todas las ideas originales estaban allí y él estaba agregando cosas. Incluso durante las sesiones vocales, tendría ideas para probar en la pista. En un momento, quería cuerdas en vivo, pero decidió no hacerlo. Probaríamos diferentes teclas para modulaciones de canciones, muchos arreglos y ediciones diferentes, y él haría interminables tomas de voces “. Si bien You Are Not Alone puede no ser tan experimental o ecléctico como el resto del álbum, es una muestra impresionante de la voz suave de Jackson, lo que demuestra su supremacía en la entrega de una balada excepcional.

10 – Childhood:
Michael Jackson

Fue orquestada por el legendario Elmer Bernstein.

Cuenta Bruce Swedien ingeniero de sonido que: “Cuando hicimos las canciones “Childhood” y “Smile”, Michael cantó en directo con la orquesta. Las grabamos en una sola sesión en la Hit Factory de New York. Esas tomas son las que se utilizaron principalmente para terminar ambas canciones. Cuando terminamos la grabación, Michael me pidió conocer a los miembros de la orquesta. Durante la grabación todos los músicos habían estado escuchando a Michael cantar con sus auriculares. Cuando entró a la sala para conocer a la orquesta, todos comenzaron a aplaudir de pie. Cada uno de los 50 músicos, el director y yo mismo aplaudimos tan alto como pudimos!. Michael estaba emocionado!”

Es una de las pistas más vulnerables y honestas que Jackson haya creado, un paso más lejos de sus canciones de álbumes anteriores con motivaciones más comerciales.

Las cuerdas crean una atmósfera sombría pero nostálgica, con toques de influencia de Disney. Evoca más sentido de anhelo, pero esta vez de comprensión. Es de ensueño, mágico y brumoso como la canción de cuna de un niño.

Jackson comienza la canción con una frase repetida en todo momento; “¿Has visto mi infancia?”, cantando con un sentido de sinceridad y humildad. Como dijo el propio Jackson en los Grammy de 1993: “Me quitaron por completo la infancia. No hubo Navidad, no hubo cumpleaños, no fue una infancia normal, ni los placeres normales de la infancia, se cambiaron por trabajo duro, lucha y dolor y, finalmente, éxito material y profesional.

A través de su propia súplica personal de paciencia y comprensión, Jackson espera que los oyentes puedan entender qué lo hace diferente y también cuidar más a los niños abandonados en todo el mundo.

La pista es una muestra de la capacidad suprema de Michael para expresar una vulnerabilidad en bruto con sus talentos vocales y su técnica. Michael notó el significado de la canción y la importancia de la letra: “Se trata del dolor, algunas de las alegrías, algunos de los sueños, algunas de las aventuras mentales que tomé debido al estilo de vida diferente que tuve al ser un niño intérprete… Nací en el escenario y la infancia es un espejo. Es mi historia…”

La voz de Michael se complementaría con un delicioso arreglo orquestal compuesto por el compositor Steve Foster, según lo solicitado.

La creación de la pista instrumental, sin embargo, comenzó con Jackson y el director musical Brad Buxer. Brad señala: “La canción no había comenzado de ninguna forma, así que lo hicimos desde cero. Brad Sundburg estaba en el estudio y yo estaba al piano con Michael justo a mi lado cantando los acordes. La demostración tomó tres horas: al final el piano estaba terminado y le puse cuerdas … Cada voz que hice en esa primera sesión se mantuvo después, no cambiaron nada”.

No es el tipo de canción que esperarías presentar en un álbum de un artista pop. “Childhood” es sin duda uno de los mejores ejemplos de Jackson que continúa evolucionando como compositor mientras se aleja de las convenciones pop tradicionales. Se convertiría en una de las canciones más emocionalmente catárticas del álbum, con Jackson adoptando un enfoque introspectivo para la escritura de la canción.

Childhood es la canción más esencial para comprender al artista más allá del paseo lunar o el guante de lentejuelas, y más bien como un ser humano cuyo estilo de vida poco ortodoxo fue en gran medida un producto de su pasado no ortodoxo.

11 – Tabloid Junkie:
Michael Jackson, James Harris III y Terry Lewis

Tras “Scream,” James Jam y Terry Lewis pensaron que habían terminado su trabajo con Michael Jackson hasta que llamó un día y preguntó por otra de las siete secciones rítmicas que habían propuesto para “Scream.” Se convirtió en la fundación de “Tabloid Junkie.

Tabloid Junkie es la primera de las últimas tres colaboraciones entre Jackson y el dúo de productores Jimmy Jam y Terry Lewis. Todo el álbum cambia de tempo medio y lento a pistas de ritmo optimista. Jackson vuelve a centrar su atención en los medios con más agresividad. Es similar a Scream en contenido, pero aquí Jackson describe específicamente el peligro de la constante tergiversación de sí mismo por parte de los medios. Sin embargo, su enfoque parece hablar más a aquellos que creen en los medios.

Mientras describe a los medios, Jackson también dirige su atención a aquellos que captan los titulares. “No tienes que leerlo, y no tienes que comerlo. ¡Comprarlo es alimentarlo!”, ruega a la audiencia. “El hecho de que lo leas en una revista o lo veas en la pantalla del televisor no lo convierte en un hecho”, es el estribillo armonizado y el mensaje general de la canción. El mensaje se transmite a través de una armonía densa y exuberante, mucho más fácil de captar que los versos. Esto pone un énfasis adicional en el verdadero punto de la canción, más allá de la conspiración que Jackson (justificadamente) creía que tenía lugar en su contra a diario.

Si bien Michael abordaría los tabloides en trabajos anteriores como la canción de 1986 Price Of Fame y Leave Me Alone, Tabloid Junkie sería el comentario más directo y mordaz del artista sobre la naturaleza poco sincera y poco ética de la prensa sensacionalista.

El talento de Jackson para el beatboxing se ilustra más en la pista, formando la línea de percusión. Antes de su finalización, la canción tuvo que pasar por un proceso de mezcla extendido después de ser enviada a Jackson en Los Ángeles.

Curiosamente, la canción se tituló originalmente “Tabloid Jungle” como el productor explicó: “Lo llamaríamos ‘Tabloid Jungle’, porque sentimos que los tabloides eran los cazadores y Michael la presa, él es el más grande premio en la jungla, y los medios de comunicación en esta misión para capturarlo “.

12 – 2BAD:
Michael Jackson

2Bad, aunque agresivo, es más una burla desafiante de sus detractores que una queja. Es uno de los temas más experimentales del álbum, como todas las colaboraciones entre Jackson, Jam y Lewis. Abriendo con una muestra de Run DMC, y un riff de guitarra eléctrica cada vez más pesado y melancólico, Jackson se declara a sí mismo “El Rey del Pop” y que “no hay nadie más alto”.

El puente de la canción fue por completo idea de Michael, toda la sección de metales. Uno de los objetivos del álbum era reconstruir el aura de Jackson, y en este punto del álbum ha manifestado la mayoría de sus quejas y las ha superado. El mensaje de la canción es que las fuerzas detrás de Jackson son malvadas, llenas de “sed de sangre”, pero finalmente no pudo derribarlo. A lo largo de la canción, Jackson dice: “Mira quién está de pie, por favor, aunque trataste de ponerme de rodillas”, y su última línea de verso es “Estoy de vuelta donde quiero estar, estoy de pie aunque tú me estás pateando.

Aunque entrega constantemente con un mordisco similar a Scream y This Time Around, el veneno se ha secado y es reemplazado por una burla viciosa pero liberada. “Qué pena, qué pena, ¿por qué no gritas y lo gritas?”. Lo grita, aunque con fuerza, con cierto alivio y jovialidad. Vuelve a desafiar a las fuerzas anónimas que lo persiguen, dejando en claro que no retrocederá. También deja claro que sintió su mejor tiro, pero se levantó de nuevo más fuerte y decidido que antes. El viaje ahora ha llegado a la etapa de rehabilitación, ya que Jackson ahora está mirando más allá de la malicia de sus enemigos y ahora ridiculiza sus intentos.

Digno sucesor espiritual de Bad en 1987, Jackson vuelve a afirmar “¿Quién es malo? Soy malo y no hay nada que puedas hacer al respecto. Qué pena, qué tristeza” a pesar de las atroces provocaciones en su contra.

2 Bad sería una pista trabajada durante los inicios de las sesiones de HIStory.

La canción es producida y coescrita por Rene Moore, Bruce Swedien y Jackson. Inicialmente, la canción se realizó en Nueva York a través de las primeras sesiones de escritura que hicieron Rene y Bruce.

Una línea de sintetizador pegadiza y un bajo prominente complementarían la percusión presentada. Sin embargo, el arreglo necesitaría ser modificado en realidad sonaba demasiado como Off The Wall, Thriller y Bad, sonaba demasiado limpio y no lo suficientemente hip-hop, no lo suficientemente actual.

Jackson también traería a Jimmy Jam para trabajar en los elementos de percusión de la canción.

El jugador de baloncesto Shaquille O’Neal también contribuiría con un rap durante el puente de la canción, aportando aún más una calidad urbana a la pista.

13 – History:
Michael Jackson, James Harris III y Terry Lewis

Michael Jackson mencionó que necesitaba escribir un título llamado “HIStory,” así que Jam y Lewis se quedaron más tiempo. “HIStory” necesitó muchos involucrados – con una orquesta de 80 músicos, Boyz II Men en los coros, fragmentos de noticias y discursos históricos – que la sesión de mezcla requirió un experimento sin precedentes: dos estudios cableados juntos para que las 160 pistas de sonidos pudieran ser compaginadas en una mesa de mezcla.

La canción es grandiosa, majestuosa y ambiciosa, arraigada en la lucha, la determinación y la victoria. Jackson mira internamente su ascenso de regreso a la cima de la montaña y ahora quiere usar eso para vivir su mayor sueño: inspirar. Todo esto está contenido en la música misma un poco más que en la letra.

Al igual que Earth Song, History se divide en tres partes: la lucha de los versos, el triunfo del coro y la victoria total y decisiva representada en el clímax. Es una historia de trabajo duro y sudor que da sus frutos para ver los sueños hechos realidad, con docenas de referencias históricas y citas como ejemplo. Está destinado a ser edificante e inspirador, también para promover la unidad y la compasión entre otras personas; una llamada de atención.

La canción comienza con la pieza clásica “Puertas de Kiev”, estableciendo un estado de ánimo de gran logro, honor y valor. Luego, como si se reprodujera a través de una grabadora, de repente cambia a una partitura que describe la historia. El gran sonido estalla en un pulso constante y contundente, complementando la voz entrecortada de Jackson. Esto pasa a la valiente partitura del coro, que suena valiente. Esta música y la letra de Jackson son una audaz contradicción (al igual que la historia misma), ya que Jackson pregunta solemnemente “¿cuántas víctimas deben ser masacradas en vano en todo el país?…. Antes de elegir vivir el plan del profeta”. Es aquí donde busca nuevamente inspirar y empujar a la audiencia hacia la tolerancia y la comprensión mientras crea su propia historia de vida. “Cada día creas tu historia, cada camino que tomas estás dejando tu legado.” En última instancia, a través del dolor de la lucha y la dedicación, una persona puede superarse para lograr sus ambiciones, parece decir. Con la victoria aparentemente lograda, la música vuelve a cambiar a lo que le recuerda al oyente un desfile militar.

“No dejes que nadie te deprima, sigue moviéndote en terreno más alto. Sigue luchando hasta que seas el rey de la colina. Ninguna fuerza de la naturaleza puede doblegar tu voluntad de automotivarte”. Nos encontramos nuevamente en una victoria dramática pero costosa, con la elegante armonización de Boys II Men añadida con un toque de tristeza. Después de “cantar todas las naciones, armonicemos en todo el mundo”, escuchamos la voz de Martin Luther King Jr durante su discurso “Tengo un sueño”, una fuerza poderosa para inspirar al oyente.

Al protagonista de la canción, o al oyente, se le recuerda que su historia pasará a la historia a través de posiblemente el discurso más famoso de la historia. Luego regresamos a nuestra marcha de la victoria, ya que Jackson recuerda más de aquellos que han caído tras la victoria. Hay un momento de pausa cuando Jackson pregunta: “¿Cuántos niños debemos ver antes de aprender a vivir como hermanos y ser una sola familia?” Se ofrece un momento de recuerdo mientras un jubiloso y ceremonioso solo de piano nos lleva a la épica conclusión. Finalmente, somos transportados a la cima de la montaña; hemos llegado a la salvación. El Coro Andrae Crouch regresa representando a todas esas voces unidas nuevamente en una conquista completa y total.

A medida que la canción se desvanece, las citas históricas y las fechas que se ciernen en el fondo aparecen juntas en un frenesí. Escuchamos la voz de John F. Kennedy y la voz en off del alunizaje, mientras Michael Jackson permite que los íconos del pasado dejen inspiración al oyente.

El exitoso grupo Boyz II Men expresó en una entrevista: “Este es el tipo al que todos admiramos, no pudimos evitar admirarlo y seguir haciéndolo de muchas maneras. Nunca imaginamos que alguna vez lo conoceríamos y que incluso nos pidiera que estuviéramos en su álbum, es un verdadero honor”.

La canción ecléctica terminaría siendo una de las últimas trabajadas antes de que se completara el álbum y plantearía un desafío técnico durante el proceso de mezcla. Hoffman señala: “La pista se mezcló en Larrabee y Michael quería tantos elementos en vivo que no pudiéramos mezclar ni hacer la mezcla más pequeña, por lo que la canción se mezcló en cuatro máquinas Sony 3348, ¡eso es 192 pistas! El coro de Boyz II Men está allí, el coro de Andràe Crouch está allí, la Orquesta Elmer Bernstein está allí … Es una pista muy extendida “.

Jimmy Jam también ayudaría con la compleja tarea de mezclar la pista, recuerda: “Queríamos reducirlo a 96 pistas, por lo que la mezcla sería más fácil, pero Michael no quería mezclar nada”. Si bien la tarea parecía imposible, con la ayuda del mezclador Andrew Scheps, Swedien y Hodge pudieron mezclar con éxito la canción sin comprometer la integridad de la pista.”

Brad Buxer reflexionó sobre la pista y su eventual inclusión como la presentación final en la gira HIStory, “el título era políticamente lo que estaba tratando de decir a través del mensaje… Por supuesto, al final de cualquier espectáculo, el artista siempre quiere enviar mensajes especiales para la audiencia y HIStory fue un buen vehículo para eso.”

Mientras se tocaba la parte de Boyz II Men, lo otro que sucedió fue que Michael quería agregar una orquesta a la canción. Cuando grabamos sesiones de orquesta en Minneapolis, teníamos músicos de la Orquesta de Minnesota o de la St. Paul Chamber Orchestra, y teníamos 16 cuerdas en total. Por supuesto, era Michael Jackson. Michael dijo: ‘ No, quiero una orquesta de 80 miembros’. Le dijimos algo como ‘¿Quién podría hacer algo así?’ Él dijo: ‘Amo a Elmer Bernstein’.

Elmer Bernstein es uno de los compositores, arreglistas y directores de todos los tiempos. Por supuesto, una vez más, Michael aspiraba a lo mejor de lo mejor. Recuerdo, literalmente, en una semana o tal vez menos de una semana, enviamos la canción a Elmer e hicimos la canción en Capitol Studios.

Estábamos en un gran estudio de sonido con una orquesta de 80 músicos. El sonido fue impresionante. Literalmente teníamos una cinta solo para la canción. Otra cinta con la orquesta. Otra cinta con las voces de Boyz II Men y otra con todas las voces de Michael.

Por lo general, lo que hicimos fue mezclar todas esas voces con otras cosas. Digamos que Boyz II Men tenía 20 voces. Los transferimos a dos pistas y luego es donde los mezclamos. Acordamos cómo debería ser la mezcla y así solíamos hacerlo. Michael quería tener todo separado.

Cuando llegó el momento de mezclar la música, transferimos todo a las grabadoras digitales. Utilizamos grabadoras Sony, que creo que tenían 48 pistas. Literalmente transferimos todo a estos 48 carretes de pista. Entonces, tuvimos que enmendar cuatro máquinas para tener todo de la manera que él quería, sin separar nada, así que si había algo que quería cambiar en una grabación vocal o un sonido de cuerda, o metal o arpa o lo que sea.

Bueno, no hay una consola con suficiente capacidad para manejar esto. Fuimos a Larrabee North Studios. Literalmente usamos una consola SSL completa en uno de los estudios y la unimos a través de códigos de tiempo con otro SSL de otro estudio.

Tuvimos que caminar entre los dos estudios para encontrar el instrumento que quería aumentar o disminuir y la pista vocal que quería aumentar o disminuir. Fue la mayor cantidad de pistas que tuve que mezclar en toda mi vida. Fue una locura y, de alguna manera, lo hicimos.

Lo último es que finalmente obtuvimos lo que pensamos que era una buena mezcla de música. Tenía la parte funky donde tenía que estar. Tenía las secciones de orquesta y las secciones de bandas. Ponemos sonido de micrófonos con viejos programas de radio. Recreamos muchas de estas cosas e intentamos hacer música histórica, junto con grabaciones antiguas, noticias de archivo y todo ese tipo de cosas. Pasamos mucho tiempo haciendo esto.

Recuerdo que terminamos la mezcla y nos quedamos despiertos toda la noche. Creo que terminamos usando un día y medio para mezclar, pero nos quedamos despiertos toda la noche sin dormir hasta la tarde siguiente.

14 – Little Susie:
Michael Jackson

Fue originalmente grabada con orquesta, y luego re-orquestada por Steve Porcaro.
La parte de solos de la niña está a cargo de Markita Prescott.

Está dedicada a una niña que en vida llevó el nombre de Susie Jaeger, aunque por el contenido puede decirse que también se dirige a todas aquellas niñas que desafortunadamente sufrieron un acto semejante en el que Susie perdió la vida.

Que significado tenia esa canción para Michel Jackson? El se conmovía ante el dolor ajeno, y la historia de Susie no fue la excepción, de alguna manera el quiso reflejar la larga agonía de Susie, y darle voz a lo que nunca pudo decir sobre el último día de su vida.. Por qué escribió esa canción? Esta historia lo afectó profundamente y escribirla fue una manera de expresarse.

Little Susie es una canción, pero es también una triste, terrible y trágica historia. Los hechos se remontan a 1973 en el estado de Montana. Susie Jaeger, de siete años de edad, desapareció una noche de la tienda de campaña donde pasaba junto a su familia unas placenteras vacaciones, y nadie tuvo ni la menor pista o rastro de su paradero a pesar de los rastreos y las investigaciones policiales de la época. Un año después Marietta Jaeger, madre de Susie, recibe una llamada de teléfono de su secuestrador, que en un descuido dio las suficientes pistas para que fuera localizado y detenido por el FBI. Susie no solamente no estaba secuestrada, había sido asesinada y violada horas después de su desaparición, pero ese no fue el único descubrimiento de la policía. El secuestrador y asesino, David Meirhofer un joven de 23 años, había sido también el responsable de la desaparición y asesinato de otras tres jóvenes del mismo condado. Se suicidó cinco horas después de haber confesado los asesinatos. La madre de Susie, desde entonces es una luchadora incansable por la abolición de la pena de muerte, dando conferencias y poniendo por claro ejemplo el caso de su hija, exigiendo justicia contra esos asesinos, una condena de cadena perpetua, pero erradicar la pena de muerte.

Como dato interesante, como introducción de Little Susie, Michael utiliza el tema Pie Jesu Requiem de Maurice Duruflé cuyas letras nos dicen “Bendecido Señor Jesús, otórgales eterno descanso”, tal vez en honor de todas esas almas inocentes que como Little Susie, fueron maltratadas injustamente.

La Orquesta Sinfónica y el Coro de Atlanta interpretarían el réquiem presentado en la pista. Jackson había abierto la balada clásica Will You Be There del álbum anterior Dangerous de manera similar, con la Novena Sinfonía de Beethoven interpretada por la Orquesta de Cleveland.

Steve Porcaro y Andrew Scheps rehicieron completamente la orquesta con sintetizadores, lo cual fue extremadamente difícil con la tecnología de los años 90. Entonces se sentaron con Bruce en Studio 4 y lo reconstruyeron usando muestras del Synclavier y otros sintetizadores. Fue una tarea enorme, cada parte interpretada por uno y reorganizándola como Michael lo quería.

15 – Smile:
John Turner y Geoffrey Parsons

La toma final de Smile es la 14. Smile fue grabada con la voz de Michael en directo, junto con la orquesta, aunque los músicos no lo sabían, ya que Michael se encontraba en una cabina aparte, cerca de ellos. Y su interpretación fue grandiosa, aunque al siguiente día volvió a grabar la parte vocal sin la orquesta.

Smile es conocida en los tiempos modernos como la canción favorita de Michael Jackson, aunque no muchos se han tomado el tiempo de escuchar y comprender su interpretación. La canción en sí es brillante por sí sola, aunque quizás no sea la canción más convencional de Michael Jackson.

La idea surgió después de que Jackson invitara a David Foster a trabajar en History. Foster finalmente ayudó con las canciones casi terminadas y convenció a Jackson de cumplir su sueño de hacer una versión de Smile. Habiendo sido durante mucho tiempo fanático e identificado con Charlie Chaplin, fue justo el empujón que Jackson necesitaba.

Michael finalmente grabó “Smile” el mismo día que “Childhood”, ambos con orquesta en vivo interpretada por la Orquesta Filarmónica de Nueva York.

Lo más destacado de la canción es fácilmente la interpretación vocal clara y alegre de Jackson. Su voz parece imitar la letra. Jackson suena triste y emotivo, pero casi “suena” como si estuviera sonriendo mientras pone las voces. Es difícil no sentir toques de reflexión y tristeza dentro de la canción, pero el mensaje y su entrega siguen siendo alentadores. Una orquestación divina y celestial lo acompaña a través de los cambios de tonalidad, y decide terminar la canción (y el álbum) con un toque del viejo Hollywood; vocablos despreocupados, algunas risas y finalmente silbidos.

“Smile” y su ubicación es otra adición simbólica al álbum History, un vistazo a la humanidad de la superestrella. Incluso para Michael Jackson, su versión de Smile es verdaderamente un clásico enigmático para su catálogo atemporal. Después de la liberación de rabia y frustraciones a lo largo del álbum, Jackson encuentra su paz y consuelo nuevamente simplemente eligiendo sonreír; completando así el recuento de su vida hasta ese momento.
“Smile” también es un símbolo para Michael Jackson, no solo por su ingeniosa ubicación en el álbum, sino que también sirve como tributo a su ídolo, Charlie Chaplin, y la identificación con él.

La historia de la pobreza a la riqueza y las luchas con la fama y el exilio fueron experiencias que Jackson había vivido él mismo. La expresión de la emoción a través del canto y el baile fue algo sobre lo que construyó su carrera. Fue el tributo perfecto y el vínculo perfecto entre Michael Jackson y su propio ídolo. Pero más que eso, fue uno de los vislumbres más profundos del hombre mismo.

Hay tanta belleza subestimada en la interpretación de Smile. Fue, en la superficie, un momento final de consuelo después de la furia desatada en el disco. Sin embargo, hay un significado más profundo no solo en el significado de la canción y en la elección de colocarla allí. Se podría considerar que muestra la belleza de la vida. Siempre hay algo por ahí que no solo nos dará alivio, sino que también nos dará la motivación o el coraje para seguir adelante.

A estas alturas, Michael ha pintado una imagen tan sombría de su vida a lo largo del álbum que el oyente podría preguntarse “guau… ¿cómo superó todo eso?”. Jackson pareció considerar esto, ya que su versión de “Smile” no podría haber sido más adecuada en ningún otro lugar de su carrera.

History comenzó con un grito y termina con una sonrisa, ya que Michael captura y presenta perfectamente un complejo viaje emocional a lo largo del álbum. Simplemente no hay otra canción que resuene como la canción de cierre de un álbum tan emocionalmente turbulento como HIStory como lo hace Smile.

Parte de la sinopsis de Rickey Alexander II


“HIStory ” de Michael Jackson de Jimmy Jam y Terry Lewis – por Cris Williams – Okayplayer.com

Jimmy Jam y Terry Lewis

Sabía que el álbum se iba a llamar HIStory . Entonces, la idea era tener una canción real llamada “HIStory” porque él no tenía una. Esto fue hacia el final de las sesiones de grabación. La idea de “HIStory” era crear una canción que fuera realmente grande, exagerada y que tuviera muchos elementos diferentes tanto en el sonido como en la letra. Michael siempre pensó en grande y fuera de la caja. Eso es lo que tratamos de darle. La canción fue escrita en pedazos. Se nos ocurrió el primer pequeño ritmo al principio porque Michael quería algo divertido. Siempre quiso algo con lo que pudiera bailar. Siempre fue su mandato. Pensamos en la canción en movimientos. Pensamos que el primer movimiento sería esta parte realmente funky. Luego, iría a estos cambios de acordes que eran muy parecidos a Michael en las secciones B. Luego, en el coro, sería lo mismo. La idea del coro era hacerlo grande porque hablaba de historia.

La historia es tan grande como un pensamiento. Michael dijo: “Sería genial poner a alguien más aquí”. Hablamos de nuestros artistas favoritos y de cómo habíamos trabajado con Boys II Men. Mencionó cuánto los amaba. Dijimos: ‘Bueno, serían geniales’. No solo serían geniales, sino que a medida que nos acercábamos al final del proyecto, lidiamos con plazos. Recuerdo cuando vinieron al estudio. De hecho, los llamé y les pregunté: ‘Oigan, ¿están en la ciudad? Vengan al estudio. No podían creerlo. Eran como, ‘Oh, Michael Jackson’. Entraron e hicieron sus voces. Me encantó la cara de Michael porque una de las cosas de Boyz II Men era que nunca tuvimos que arreglar sus fondos. Sabían exactamente lo que iban a hacer, y encajarían en su lugar. Michael estaba asombrado por lo bien que podían hacerlo. 

Mientras sucedía la parte de Boyz II Men, la otra cosa que sucedía era que Michael quería poner una orquesta en la canción. Michael dijo: ‘quiero una orquesta de 80 músicos’. Pensamos, ‘¿Quién va a hacer eso?’ Él dijo: ‘Me gusta mucho Elmer Bernstein’, uno de los grandes compositores, directores y arreglistas de todos los tiempos. Por supuesto, una vez más, Michael apuntaba alto y hacia el cielo. Recuerdo literalmente una semana, tal vez menos de una semana después de que le enviamos la canción a Elmer, hicimos la canción en Capitol Studios. Estábamos en este enorme escenario sonoro con una orquesta de 80 músicos. Sonaba abrumador escuchar eso, seguíamos lidiando con cintas analógicas. Literalmente, teníamos una cinta completa con solo la música. Teníamos otra cinta con la orquesta. Teníamos otra cinta con todas las voces de Boyz II Men, luego tuvimos otra cinta con todas las voces de Michael.

Boyz II Men tenía 20 pistas vocales. Michael quería mantener todo separado. Cuando llegó el momento de mezclar el disco, transferimos todo a grabadoras digitales. Estábamos usando las grabadoras de Sony, que creo que eran grabadoras de 48 pistas. Literalmente transferimos todo a estos carretes de 48 pistas. Luego, teníamos que conectar cuatro máquinas para que todo quedara como él quería, sin separar nada, de modo que si había algo que quería cambiar en una voz o en una cuerda, o cualquier cosa, él podría hacer eso.

No había una consola mezcladora que fuera lo suficientemente grande para manejar todo. Fuimos a los estudios Larrabee North. Literalmente, teníamos una placa SSL completa en uno de los estudios y luego la cronometramos para otra SSL en otro estudio. Tuvimos que caminar entre los estudios para encontrar el instrumento que quería subir o bajar, y las voces que quería subir o bajar. Fue la mayor cantidad de pistas que he tenido que mezclar en mi vida. Fue una locura y de alguna manera lo conseguimos. 

La última parte de esto es que obtuvimos lo que pensamos que era una mezcla bastante buena de la canción. Tenía la parte funky donde necesitábamos que estuviera. Tenía las secciones orquestales y las secciones de bandas de música. Recreamos muchas de esas cosas e intentamos que la pista fuera histórica, junto con grabaciones antiguas, imágenes de noticias y todo ese tipo de cosas. Pasamos mucho tiempo haciendo eso. Recuerdo que terminamos con la mezcla y luego estuvimos despiertos toda la noche. Creo que terminó siendo una combinación de un día y medio, pero estuvimos despiertos toda la noche y luego hasta la tarde. Luego, llegó el momento de llevar el disco a masterización, y ese fue el último paso antes de que todo comenzara. Recuerdo irme a la cama y pensar: ‘Guau. Eso fue una locura, pero creo que salió bien.

Técnicamente, esa fue la mezcla más loca que jamás hayamos hecho. Por supuesto, después de eso, las cosas se volvieron digitales y Pro Tools, por lo que nunca volvió a suceder y probablemente no volverá a suceder. Esta es la forma en que se hizo la canción.


Earth Song, En el Interior de la Obra Maestra – Por Joe Vogel

Michael Jackson recordaba el momento exacto en que la melodía llegó hasta él.
Fue en su segunda noche en Viena (1988). Fuera de su hotel, podía ver los museos majestuosamente alumbrados, las catedrales y los edificios de la ópera. A pesar de toda la opulencia que le rodeaba, mental y emocionalmente se encontraba en otro lugar.
No era tan solo soledad (aunque definitivamente se sentía así). Era algo más profundo –una desesperación abrumadora por el estado del mundo.

“Cuando has visto las cosas que yo he visto y viajado por todo el mundo, no serías honesto contigo mismo ni con el resto del mundo si miraras hacia otro lado,” explicaba Jackson.

Antes y después de los conciertos, hacía llevar a niños enfermos y desfavorecidos tras el escenario. “Cada noche venían los niños en camillas, tan enfermos que difícilmente podían sostener la cabeza derecha,” recuerda su entrenador vocal, Seth Riggs. “Michael se arrodillaba hasta las camillas y acercaba su cara a las suyas para poder hacerse una foto con ellos, y darles después una copia para que recordaran ese momento. Yo no podía soportarlo. Me iba al baño y lloraba. Los niños se reanimaban en su presencia. Si eso les daba un par de días más de energía, para Michael merecía la pena.”

Mientras actuaba o ayudaba a los niños, se sentía fuerte y feliz, pero cuando volvía a la habitación del hotel, una combinación de ansiedad, tristeza y desesperación le aprisionaba a veces.

“El ciudadano medio,” explicaba, “ve los problemas ‘desde fuera’ para ser resueltos… Pero yo no lo siento de ese modo –esos problemas no están ‘afuera’ en realidad. Los siento dentro de mí.

Un niño llorando en Etiopía, una gaviota luchando patéticamente en un vertido de petróleo… un joven soldado temblando de terror cuando escucha sobrevolar a los aviones: ¿No suceden esas cosas en mi interior cuando las veo y escucho sobre ellas?” (Dancing The Dream, Poemas y Reflexiones, 1992).

Cuando Jackson actuaba, podía sentir estas emociones turbulentas surgiendo de su interior.

Con sus canciones y su baile, trataba de transvasar el sufrimiento, ofrecerle una forma de expresión, un significado y fortaleza. Era liberador. Por un breve instante, podía llevar a su audiencia a un mundo alternativo de armonía y éxtasis. Pero, inevitablemente, era arrojado de vuelta al “mundo real” de miedo y alienación.

Era tanto el dolor y la desesperación que circulaban por el interior de Jackson que se quedó en la habitación de su hotel, pensando.
De repente “cayó en su regazo.” (La alusión completa sobre cómo esta canción llegó hasta él: “Recuerdo haber escrito “Earth Song” cuando estaba en Austria, en un hotel, y estaba sintiendo mucho dolor y sufrimiento por la condición difícil del planeta Tierra. Para mí, eso es Earth Song, porque creo que la naturaleza está tratando fuertemente de compensar el trato inadecuado del hombre a la Tierra. Y con el desequilibrio ecológico avanzando, y un montón de problemas en el medio ambiente, creo que la Tierra siente el dolor y tiene heridas, y también trata sobre las alegrías del planeta.

Esta, decidió, sería la canción más grande que jamás compusiera.

A finales de Julio, Jackson llamó a Bill Bottrell, un joven y prometedor productor e ingeniero con el que había trabajado en su estudio de Hayvenhurst durante las sesiones de Bad.

Un día, Jackson llevó la cinta en VHS de la película del director John Boorman, La Selva Esmeralda, que cuenta la historia de una tribu de Brasil (la “gente invisible”) y de la selva tropical bajo el asedio de las corporaciones colonizadoras.
Ahora es un tema desgastado, pero en el momento de su estreno, fue revolucionario por el movimiento ecológico, atrayendo gran atención sobre la destrucción del Amazonas. Michael le dijo a Bottrell que la viera y la interiorizara para “prepararse” para trabajar en “Earth Song.”

La primera preocupación de Jackson era conseguir la dimensión y atmósfera correctas. Quería que tuviera la pasión y la intensidad de una canción de góspel, pero el escenario acústico de algo como Pink Floyd o Brian Eno, algo prestado del ambiente y el mundo musical del rock progresivo, pero que al mismo tiempo fuera clásico y accesible. No quería que fuera demasiado compleja o abstracta porque pretendía mover a las masas con la canción. La clave, entonces, era tomarla como “algo simple,” pero cubrirla con detalles, textura, matiz y riqueza.

Con Michael la base debe ser engañosamente simple, pero sucede mucho más. Mucho más detalle y trabajo. Él entendía el contraste. Era muy particular acerca de la textura. Quería [‘Earth Song’] sentirla fresca y nueva y tener esa clase de carga épica e impulso. Este proceso comienza con la asistencia de Bill Bottrell y el compositor Jorge del Barrio, y continuó años más tarde con David Foster, Bill Ross y Bruce Swedien.

Jackson concibió originalmente “Earth Song” como una trilogía (similar a “Will You Be There”), contenida en una moderna pieza orquestal, la canción principal, y después el poema hablado (publicado más adelante como “Planet Earth”). En total, habría durado unos trece minutos.

Los arreglos de la canción continuaron durante las sesiones de Dangerous, pero finalmente no entró en el álbum.

Todos los que trabajaban con Jackson comprendían que era un meticuloso perfeccionista: cada detalle, desde el concepto a la producción, de la mezcla a la copia original, tenían que ser exactamente como él quería antes de “echar el cemento.”

Cuando comenzó la grabación de HIStory en 1994 en la Hit Factory de Nueva York, Jackson estaba entusiasmado por volver finalmente a trabajar en la canción. Se sentía confiado en que le encontraría acomodo en el nuevo disco. La única cuestión era cómo hacerla mejor y quién le ayudaría a finalizar su visión.

Jackson dejó los ad libs del final para el último fin de semana porque esperaba “dejarse la voz” en el proceso. Les dijo a los ingenieros ayudantes, Eddie Delena y Rob Hoffman, “Lo siento, pero creo que ninguno de ustedes va a dormir este fin de semana.

Como era su costumbre, Jackson cantó esa noche con todas las luces apagadas. (“Él siempre insistía en que las luces estuvieran apagadas,” dice Bruce Swedien. “El ser humano es primariamente un animal visual. Las luces distraen. Michael odiaba las luces cuando estaba grabando.”) Desde la sala de control, Bruce Swedien y su equipo de ingenieros ayudantes no podían ver nada. Pero lo que podían escuchar atronando desde la oscuridad era asombroso: era como si Jackson estuviera canalizando desde las entrañas de la tierra una dolorosa, feroz y profética voz, ofreciendo expresión al sufrimiento del mundo.

Todos los que estuvieron presentes pudieron sentir cómo se les erizaba el pelo de la nuca. Este era el Michael Jackson que los medios nunca conocieron: un artista tan comprometido que podía fundirse por completo dentro de una canción y canalizar sus emociones.

UN APOCALIPSIS MUSICAL

Al principio es el sonido: el ritmo pulsante de grillos y pájaros cantores, la vibrante cacofonía de la noche. Conjura la exuberancia, el trasfondo natural de una jungla tropical o un bosque tropical desbordante de vida y de música. “Creo que en su primitiva forma, toda la creación es sonido y no es solo sonido fortuito, es música,” explicó Jackson una vez.

La efervescente atmósfera evocada en los primeros segundos, sin embargo, se transforma rápidamente en algo más apocalíptico. Un sonido profundo, primario, se entromete lentamente.

Jackson, eleva preguntas inquietantes desde el principio, apuntando a las bases de la sociedad moderna. “¿Qué hemos hecho con el mundo?” pregunta a los oyentes. “Miren lo que hemos hecho.”

Jackson tenía una capacidad única para inyectar peso a las palabras. Como dijo Marvin Gaye una vez: “Michael nunca perderá la cualidad que separa lo meramente sentimental de lo verdaderamente sincero. Está enraizado en el blues, y no importa qué género esté cantando, ese chico tiene ese blues.” En “Earth Song,” Jackson está cantando el blues en una escala cósmica.

Con cada verso, se cimienta la textura musical. La guitarra refleja los sentimientos desesperados de Jackson con exclamaciones profundamente sentidas. La majestuosa orquestación crece y decrece como las olas.

En el segundo verso, Jackson hace referencia a la paz que fue “comprometida” con “tu único hijo” – de repente vuelve sus interrogantes de la humanidad hacia Dios. Cuándo se cumplirán esas promesas de redención, está preguntando. Más adelante, hace también referencia a Abraham y a la “tierra prometida” que fue pactada para sus descendientes.

Como un viejo poeta-profeta, está “probando los límites del Altísimo,” mientras le plantea profundas cuestiones en nombre de los heridos y abandonados.

Escuchen la explosión de la batería y el temblor de tierra del bajo después del segundo verso: este es el momento en que la canción se transforma de la desesperación hacia la justa indignación.

Es el clímax épico que sigue, sin embargo, lo que empuja a la canción a otro nivel.

El “nosotros” es la voz simplificada de los “Otros”: todos los que han sido silenciados, marginados, oprimidos o ignorados (incluidos los animales y el medio ambiente). Jackson está testificando por ellos mientras formula el status quo. Es una inmensa manifestación de los derechos civiles llevada a la música.

Cuando Jackson alcanza el final de su letanía -exhausto, pero imperturbable- Sólo pregunta a su audiencia, “¿No nos importa nada?” antes de dejarnos más adelante mudas exclamaciones de angustia.

“Earth Song,” de acuerdo con esta definición, es un apocalipsis musical.

Lleva al oyente desde un paraíso imaginado de armonía y vitalidad hasta nuestro actual estado de degradación y divisiones.
Su cuestión final (¿No nos importa nada?) trata sobre la apatía. ¿Por qué aceptamos pasivamente las cosas tal como son? ¿Por qué no vemos ni paramos la autodestrucción? ¿Por qué no imaginamos (y logramos) algo mejor?


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